LOS INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN. Los instrumentos de percusión son aquellos que producen el sonido al ser golpeados, entrechocados, sacudidos, etc. Se clasifican en dos grandes categorías Instrumentos de percusión de sonido indeterminado: no producen notas musicales perfectamente afinadas. Su sonido no proporciona a nuestro oído una sensación clara de altura. Tan sólo podemos decir si son más o menos graves o agudos. A su vez se clasifican en tres grandes grupos, dependiendo del material en el que estén construidos: Madera: la mayoría son instrumentos idiófonos (instrumentos en los que no se distingue el elemento productor del sonido de la caja de resonancia). Castañuelas, claves o bastones de percusión (ambos producen el sonido entrechocando sus componentes), maracas (un componente interno frota el interior del cuerpo del instrumento), güiro (posee un cuerpo caña en el que se han practicado unas hendiduras contra las que se rasca un palo de madera u otro elemento), caja china, etc.
Metal: crótalos o chinchines, platillos, gong, triángulos, cascabeles, cencerro, etc. La mayoría son instrumentos idiófonos.
Parche: son instrumentos membranófonos ya que poseen una o dos membranas sujetas al cuerpo del instrumento que, a su vez, funciona como caja de resonancia. El sonido se produce cuando su membrana es golpeada directamente con las manos o con unas varillas especiales llamadas baquetas. Pandero, pandereta, bombo, caja, tambor, etc. Suelen formar parte de agrupaciones instrumentales que acostumbran a tocar al aire libre y, en ocasiones, desfilando.
la musica en el cine
resulta dificil imaginar una pelicula sin musica, pero en los comienzos el cine era mudo.
las primeras salas de prpyeccion soportaban el ruido que producida el proyector , los comentarios del publico , la voz que iba leyendo m para mitigar todos estos ruidos y los momentos de silencio se incorporaba un pianista , un fonografo o en las salas grandes una orquesta.
maxs teiner king kong
john willian starwars 1977
2001 harry potter
bermam 1960
vangelus 1981 garros de fuego
la mision imposible 1996
la banda sonora
la banda sonora de una pelicula contiene los dialogos , los sonidos y la musica, las canciones que repite a los mismos.
las grabaciones de esta es compleja y requiere un trabajo muy precizo.
combiene distindir entre partituras original de BSO que es aquella musica que sirve de fondo a la pelicula.
regreso al futuro jhon william
jurasic park jhon william
ete jhon william
eduardo manotijeras
leyendas de pasion
pear harbol teneese
agrupaciones vocales
existen diferentes convinaciones vocales en la interpretacion musical dependiendo del numero de los acompañantes.
cuando el numero de componentes no supera las 8 o 9, se habla de grupi de camara vocales.
son los duos los trios los cuartetos etc......
si la cantidad de cantante es mayor se habla de coros o grupos musicales el coro pequeño puede ser hasta de 20 personas, hay otros de 40 y otros de 60,80,100.
segun el tipo de voz se distinguen entre coros mixtos .
hay coros de mujeres y de hombres y algunas veces si lo coros son uy grandes se pueden hacer mixtos.
el jazz
Es probable que el jazz fuera inicialmente interpretado por músicos sin educación musical que tocaban en bandas de marchas en Nueva Orleans. La música era una parte importante de la vida cotidiana de esta ciudad desde por lo menos la década de 1890, con bandas de bronces que se contrataban para tocar en desfiles, funerales, fiestas y bailes. Es plausible pensar que los músicos, que frecuentemente no leían música, no tocaban las melodías de manera continua, sino que le agregaban variaciones para mantener las actuaciones interesantes.
Puesto que el cornetista Buddy Bolden, el primer músico famoso en ser considerado jazzista, formó su banda en 1895, se podría usar ésa como una fecha simbólica del nacimiento del jazz. Durante las próximas dos décadas no existe documentación del jazz, si bien se sabe que progresó a pasos lentos. Freddie Keppard sucedió a Bolden como el cornetista de más prestigio de Nueva Orleans, pero fue rápidamente superado por King Oliver. Aunque algunos músicos de Nueva Orleans viajaron al norte, el jazz se mantuvo estrictamente como una expresión musical típica de Nueva Orleans hasta la primera guerra mundial.
El 30 de enero de 1917, un grupo de músicos blancos llamado, sin modestia alguna, The Original Dixieland Jass Band grabó “Darktown Strutter’s Ball” e “Indiana” para el sello Columbia. La música se consideró demasiado revolucionaria para la época y no se publicó, sin embargo, dos meses después la ODJB grabó para el sello Victor “Livery Stable Blues” y “The Original Dixieland One Step”, temas que tuvieron gran éxito. Otros grupos se unieron al movimiento y también comenzaron a grabar. Así el jazz se convirtió en moda, ya que los promotores vieron una oportunidad de ganar dinero fácilmente. Pasarían varios años antes de que se hicieran grabaciones de músicos negros. En ese tiempo comenzaron a oírse opiniones que mantenían que los blancos habían inventado el jazz. Más tarde surgió una corriente contraria, que existe hasta hoy, que apoyaba la idea de que el jazz era una música negra y que sólo los negros tenían el conocimiento, sentimiento y talento para tocarla. Se ha probado en muchas ocasiones que ambas posiciones son falsas.
En 1920, Mamie Smith grabó el primer blues, “Crazy Blues”, y la moda del jazz fue reemplazada por la de los blues. Sin embargo, el jazz continuó progresando y los New Orleans Rhythm Kings, uno de los primeros grupos que tocaba improvisando solos, sonaba en 1922 como si llevara una década de progreso sobre los ODJB. El año 1923 fue de gran importancia, porque durante ese año hicieron grabaciones debut la King Oliver’s Creole Band (la cual incluía en corneta a Louis Armstrong y en clarinete a Johnny Dodds), la cantante de blues Bessie Smith y el compositor y pianista Jelly Roll Morton. Aunque la banda de King Oliver se consideraba dentro de las más importantes de Nueva Orleans por sus improvisaciones en conjunto, sería Louis Armstrong quien tendría la mayor influencia y eventualmente cambiaría el jazz.
La movilización de los negros del sur de los Estados Unidos, buscando mejores condiciones económicas, también contribuyó a que a los músicos de jazz salieran de Nueva Orleans hacia otras ciudades del norte y oeste y, a principios de los años ’20, Chicago se convirtió en el centro del jazz. Cuando Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en Nueva York en 1924, descubrió que los músicos neoyorquinos, aunque técnicamente superiores, con frecuencia tocaban en stacatto y sin la emoción de los blues. Armstrong , con sus solos dramáticos y explosivos en la banda de Henderson, tuvo una inmensa influencia al cambiar la manera de frasear solos, abriendo así nuevos caminos de improvisación. Se puede afirmar que Louis Armstrong fue el principal responsable (aunque es probable que hubiera ocurrido eventualmente) por el cambio del énfasis del jazz de improvisación colectiva a solos individuales, lo cual ayudó a la creación del swing.
En la década de los ’20, el jazz comenzó a influir a las orquestas de baile y hasta los conjuntos más comerciales comenzaron a tener pequeños solos y secciones rítmicas sincopadas. La espectacular serie de grabaciones de Louis Armstrong y sus Hot Five y Hot Seven inspiró a otros músicos a crecer y al mismo tiempo popularizó el canto en scat y una manera relajada de frasear vocalmente las canciones, lo cual influenció a Bing Crosby y a futuros cantantes. Músicos como el cornetista Bix Beiderbecke, que tenía un sonido menos cálido que el de Armstrong, el pianista Jelly Roll Morton, tanto como solista o con su grupo Red Hot Peppers, el pianista James P. Johnson, el compositor y arreglador Duke Ellington y el emergente saxo tenor Coleman Hawkins, se transformaron en importantes fuerzas en el mundo del jazz.
Durante la segunda mitad de la década, las orquestas con mayor número de músicos y con base en el jazz se hicieron populares y la improvisación colectiva que distinguía el estilo Dixieland se encontró fuera de moda y restringida a pequeños grupos. Otro de los efectos de la Depresión fue desplazar al Dixieland casi completamente por más de diez años. El público no quería acordarse de la época desenfrenada de los años ’20 y por algunos años prefirió las baladas y la música de baile. Sin embargo, cuando en 1935 repentinamente se hizo famoso Benny Goodman, una nueva generación demostró que lo que le interesaba era hacer lo que fuera para ignorar la Depresión y pasarlo bien bailando con orquestas de swing. El período de 1935 a 1946 se conoce como la era de las Big Bands, o grandes orquestas, que dominaron los rankings de la música popular. También en la misma década, el jazz fue una parte importante de la música popular, no sólo una influencia como lo había sido anteriormente. Glenn Miller y Artie Shaw vendieron millones de discos y Benny Goodman, Count Basie y Duke Ellington eran nombres reconocidos por el público en general.
Por esos años el jazz se desarrolló de varias maneras. Nuevos solistas, como los pianistas Art Tatum y Teddy Wilson y los trompetistas Roy Eldrige y Bunny Berigan, inventaron estilos alternativos. Los arreglos de las Big Bands se tornaron más sofisticados, el Dixieland revivió y fue redescubierto (la Yerba Buena Jazz Band de Lou Watters fue en parte responsable por este renacimiento), y se celebraba el jazz como una parte importante de la cultura norteamericana. Lamentablemente, esta era de oro de popularidad no duraría.
Como consecuencia de la evolución continua del jazz, fue tal vez inevitable que avanzara más rápidamente que las preferencias del público en cuanto a música popular. Al principio de los ’40 muchos de los jóvenes músicos quisieron ir más allá de la música de swing y desarrollar sus propios conceptos. El saxofonista Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie fueron los fundadores principales de un nuevo estilo llamado bepob o bop, pero no fueron los únicos y docenas de otros se les unieron. Una de las características del bebop era introducir el tema rápidamente para luego iniciar las improvisaciones. Las armonías y ritmos se hicieron mucho más complicados y, más importante aún, la música que se tocaba era cada vez menos apta para bailar. Una huelga de grabación entre los años 1942 y 1944, un impuesto prohibitivo a los espectáculos – el cual hizo cerrar a muchos de los salones de baile- y la creciente acogida del público a los cantantes populares, condenaron a las Big Bands a su extinción. Al mismo tiempo, la eliminación de las pistas de baile en mucho de los clubes convirtió al jazz en una música estrictamente para ser escuchada. Al ser elevada a nivel de música de arte, el jazz se aisló del mundo de la música popular y su público disminuyó drásticamente, mientras otros estilos más simples se creaban para llenar el vacío.
Sin embargo, la decaída comercial no frenó el crecimiento artístico del jazz. El bop, inicialmente considerado un estilo revolucionario (la huelga de grabaciones no les permitió a muchos conocer su gradual crecimiento), se transformó en la parte más importante de la corriente del jazz al comenzar la década de los ’50. El cool jazz, jazz de la costa oeste, que daba más énfasis a tonos y arreglos más suaves y que llegó a la cima de su popularidad a media década, y el hard bop (que incorpora los elementos de más sensibilidad del jazz [soul] descartados por los creadores y seguidores del bebop), fueron ramas del bebop que tuvieron sus aficionados. Pero con el surgimiento de la avant garde, o free jazz, la música improvisada experimentó el mayor salto, abandonando aún a más seguidores.
Cuando Ornette Coleman y su cuarteto se presentaron en el Five Spot en Nueva York en 1959, muchos aficionados que comenzaban a aceptar la música de Thelonious Monk quedaron perplejos. Ornette y su grupo interpretaban un tema en unísono y luego improvisaban muy libremente sin utilizar ningún acorde. Durante el mismo período, John Coltrane, quien había llevado el bop a extremos con el interminable número de acordes que usó al grabar “Giant Steps”, comenzó a improvisar apasionadamente sobre vamps (acompañamientos improvisados repetitivos). La atonalidad percusiva del pianista Cecil Taylor debía tanto a la música clásica contemporánea como a los estilistas de jazz de épocas anteriores y los exagerados saltos de intervalos de Eric Dolphy eran completamente imposibles de predecir. El jazz avant garde había llegado.
A mitad de los ’60 el free jazz estaba lleno de improvisaciones de mucha energía por medio de las cuales se exploraba tanto el sonido como las notas. Dentro de pocos años, cuando surgieron el Art Ensemble of Chicago y Anthony Braxton, el espacio en la música se utilizaba mucho más libremente y a fines de los ’70 muchos artistas avant garde dedicaban más tiempo a integrar improvisaciones con composiciones complejas. La música ya no era una forma libre continua, sino que los músicos gozaban de libertad completa en sus solos para crear cualquier sonido que les pareciera adecuado. Aunque este estilo ha sido oscurecido por otros desde los ’70, es todavía una opción viable para los improvisadores y sus innovaciones continúan influyendo indirectamente en la corriente moderna del jazz.
la musica vocal,popular,urbana
la musica popular a inundado , en los ultimos 100 años, todas las situacionesy aspectos de nuestra vida.Esto ha sido debido a la evolucion y desarrollo de los medios de comunicacion y los avances, tecnologicos: radio, tv, prensa e internet..... Entre los diferentes estilos de este tipo de musica destaca el pop, el rock y el jazz.
la voz en el pop y el rock
Cuando en 1954 se empezo a hablar del rockard roll a EE UU
nadie podia imaginar el rumbo que tomaria la musica moderna a partir de entonces .En este sentido se lanzaron al escenario voces como Jerry Lee Lewis , Chuck Berry y Elvis Presley .
Jerry Lee Lewis
Nacido el 29 de septiembre de 1935 en Ferriday, Lousiana, en el seno de una familia de origen muy humilde.
Hijo de Elmo y Mamie Lewis. Fue influenciado por la enorme colección que tenía su padre de música country. A los siete años, visitó la casa de sus tías, donde existía un piano, que Jerry Lee empezó a tocar, y a fascinarse por los sonidos que emitía. Sus padres con grandes esfuerzos consiguen comprarle un viejo piano de tercera mano (hipotecaron su casa).
A los diez años domina el instrumento a la perfección, incluso los sonidos del Blues, un género que descubrió en el Haney's Big House, un local de alterne sólo para negros, propiedad de uno de sus tíos.
Jerry Lee se hacía acompañar de sus primos Jimmy Lee Swagart y Mickey Guilley, que también quedaban pasmados por la música que escuchaban escondidos detrás de las barras de los bares, o sobre los ventanales de los juke joints. De los tres, Swagart era el religioso, y repetía cada día a sus primos que visitar esos lugares, "... los iba a condenar por el resto de su vida, ya que se escucha la música del demonio...".
En 1949, realiza su primera actuación en directo, en la inauguración de un concesionario de la Ford en la vecina ciudad de Natchez por lo que cobra 9 dólares.
Su madre tiene miedo de que su hijo pueda introducirse en el sórdido mundo del espectáculo, por lo que le ingresa en un seminario religioso en Waxhatchie (Texas). Su estancia acaba en el centro el día en que, en medio de un servicio religioso, toca el teclado del órgano con una versión boogie-woogie del clásico himno My God is Real. En 1951 -con sólo 16 años- se casa con Dorothy Barton, la hija de un predicador. En 1952 deja embarazada a Jane Mitcham, y -amenazado de muerte por sus hermanos- se casa también con ella. Con sólo 17 años... ya es bígamo. En 1953, Jane da a luz a su primer hijo: Jerry Lee, Jr. Poco después trabaja como vendedor de máquinas de coser.
En 1956, se traslada a Memphis. Jack Clement (la mano derecha de Sam Phillips) accede a grabar una cinta de prueba. Uno de los temas era Crazy Arms. Cuando Phillips volvió de sus vacaciones, y escuchó la cinta, su reacción fue inmediata: "¿De dónde venía ese tipo? ¡Que venga ahora mismo!" El primer disco de Jerry Lee Lewis en Sun Records salió en diciembre de 1956 con los temas End of the Road y Crazy Arms.
Jerry Lee mientras tanto trabaja como músico de estudio o en concierto, para otros artistas del sello, como Carl Perkins o Johnny Cash. En febrero de 1957, graba Whole Lotta Shakin' Going On. El 28 de julio actúa en el show televisivo de Steve Allen, uno de los más vistos en todo el país. Pese a que en muchos estados, el disco ya había sido prohibido por obsceno, la bomba explota. Pocas semanas después, el disco alcanza la primera posición en las listas Country y Blues, y la segunda en las listas Pop. En agosto de 1957 es contratado para actuar en la película Jamboree, en la que también aparecen Carl Perkins y Fats Domino.
El 11 de diciembre, Jerry Lee Lewis (que todavía está casado con Jane Mitcham) contrae matrimonio, en secreto, con su prima de trece años Myra Gale Brown, hija del contrabajista que le acompaña en sus conciertos. En enero de 1958, consigue su segundo gran éxito con Great Balls Of Fire. En febrero, You Win Again (versión de un clásico de Hank Williams) se convierte en un nuevo éxito. Le sigue Breathless. Se divorcia de Jane Mitcham.
En 1958, inicia una gira por Inglaterra. La prensa se entera de que está casado con su prima. El escándalo es inevitable. Se ve obligado a cancelar 34 de los 38 conciertos previstos. Cuando vuelve a Memphis, las emisoras de radio han vetado sus discos. Descubre, estupefacto, que la Sun Records no ha distribuido su nuevo single: High School Confidential. Vuelve a casarse con Myra, públicamente, durante una ceremonia de irreprochable legalidad (Myra tendrá un hijo -Steve Allen- el siguiente mes de febrero) aunque las emisoras no levantan su veto. En abril de 1962 su hijo se ahoga en la piscina de su casa.
En septiembre de 1962, abandona Sun Records y firma un nuevo contrato con Smash. Empieza una nueva etapa. En marzo de 1964, Smash Records lanza The Golden Hits Of Jerry Lee Lewis, una recopilación de sus viejos éxitos con Sun, regrabados en el estudio de su nuevo sello. El disco se convierte en su primer LP que consigue entrar en las listas norteamericanas. Otro LP con Smash -The Greatest Live Show on Earth, grabado en directo en Birmingham,- vuelve a entrar en las listas. También lo harán los dos siguientes LP's: The Return of Rock y Memphis Beat. En 1968, abandona el Rock and Rolly regresa a la música Country.
El LP Another Place, Another Time, además de entrar en las listas pop, sube hasta la primera posición del Top Ten Country & Western. Poco después, obtiene otro éxito en el mercado country con el tema What Made Milwaukee Famous. Su esposa, Myra, pide el divorcio, alegando que, en los últimos trece años, sólo ha dormido con Jerry Lee tres noches. Jerry Lee Lewis profesa fervientemente el cristianismo.
Un año después tras conseguir un nuevo número 1 en las listas Country con Would You Take Another Chance On Me- prepara su nueva boda con Elizabeth Gunn. En 1972 la adaptación de un tema de Kris Kristofferson, Me and Bobby Mc Ghee, se convierte en su mayor éxito en más de 13 años de carrera. En noviembre de 1973, su hijo Jerry Lee Lewis, Jr. (y también batería en su grupo) muere en un accidente de automóvil. Pocos años después, el pianista dispara, accidentalmente, a su bajista, tonteando con una pistola. El bajista sobrevive, pero demanda a Jerry Lee. El 22 de noviembre de 1976, estrella su Rolls Royce en una cuneta y es arrestado por conducir borracho. Diez horas después, se presenta en casa de Elvis Presley, borracho de nuevo y con una pistola cargada, asegurando a voz en grito que su viejo colega de la Sun Records le ha arrebatado el trono del Rock and Roll y merece morir. El escándalo da la vuelta a los Estados Unidos.
En 1979, firma con Elektra Records. En 1981, una televisión de Stuttgart (Alemania) reúne en un estudio a los tres supervivientes del Million Dollar Quartet (Jerry Lee Lewis, Carl Perkins y Johnny Cash). El resultado del concierto será editado en un LP titulado, apropiadamente, The Survivors. El 30 de junio, es hospitalizado en Memphis, a causa de una úlcera sangrante. Algunos periódicos incluso publican la noticia de su muerte. Cuatro meses después reaparece con un nuevo éxito en las listas country: Thirty Nine and Holding (Treinta y nueve... y sigo vivo).
En 1982, su ex-mujer, Myra, publica su autobiografía, titulada Great Balls Of Fire. Pocos meses después, su esposa se ahoga en la piscina de su casa. El 7 de julio se casa por quinta vez. Dos meses después, su nueva esposa -Shawn Michele Stevens- es encontrada muerta en su cama. La autopsia habla de abuso de metadona. En marzo del año siguiente -después de ser acusado de evasión de impuestos- contrae matrimonio por sexta vez, con Kerrie Mc Carver. La novia tiene tan sólo 22 años.
En octubre, la revista Rolling Stone le acusa, formalmente, del asesinato de Shawn Michele. Sobrevive al nuevo escándalo. En 1991, se estrena la película Great Balls Of Fire, protagonizada por Dennis Quaid, en la que se narraba su vida. En 1993, publicó su autobiografía, Killer- en colaboración con el periodista Charles White.
En 2007 saca un DVD en vivo que vende más de 500.000 copias. En 2008 actúa en la entrega de los premios Grammy, en el Capitolio de los Estados Unidos y en una gira por Inglaterra. En 2009 lanza un nuevo álbum con los Rolling Stones como invitados. El 29 de septiembre de 2010 Jerry Lee cumple 75 años con su nuevo disco Mean old man.
Discografía
1958 — High School Confidential
1962 — Jerry Lee Lewis Vol. 2/Jerry Lee's Greatest
1964 — Live at the Star Club, Hamburg
1964 — Golden Hits of Jerry Lee Lewis
1964 — The Greatest Live Show on Earth
1965 — The Return of Rock
1965 — Country Songs for City Folks/All Country
1966 — Memphis Beat
1967 — Soul My Way
1968 — Another Place, Another Time
1969 — She Still Comes Around
1969 — Sings the Country Music Hall of Fame Hits, Vol. 1
1969 — Sings the Country Music Hall of Fame Hits, Vol. 2
1969 — Together (duets with Linda Gail Lewis)
1969 — Original Golden Hits, Vol. 1
1969 — Original Golden Hits, Vol. 2
1970 — The Golden Cream of the Country
1970 — She Even Woke Me Up to Say Goodbye
1970 — A Taste Of Country
1970 — Best Of
1970 — Live at the International, Las Vegas
1971 — In Loving Memories
1971 — There Must Be More to Love Than This
1971 — Touching Home
1971 — Monsters
1971 — Would You Take Another Chance on Me
1972 — The Killer Rocks On
1972 — Who's Gonna Play This Old Piano?
1973 — The Session
1973 — Sometimes a Memory Ain't Enough
1973 — Southern Roots
1974 — I-40 Country
1974 — Breathless
1975 — Boogie Woogie Country Man
1975 — Odd Man In
1976 — Country Class
1977 — Country Memories
1978 — Best of/Vol. 2
1978 — Jerry Lee Keeps Rockin'
1979 — Duets
1979 — Jerry Lee Lewis
1980 — When Two Worlds Collide
1980 — Killer Country
1981 — Best of/Vol. 3
1982 — The Survivors Live
1983 — My Fingers Do the Talkin'
1986 — Class of '55
1989 — Great Balls of Fire
1993 — Solid Ground
1993 — All Killer, No Filler: The Anthology
1994 — Whole Lotta Shakin' Goin' On
1995 — Young Blood
2006 — Last Man Standing
2010 — Mean Old Man
2014 — Rock and Roll Time
Chuck Berry
(Charles Edward Berry; Saint Louis, 1931 - 2017) Guitarrista, cantante y compositor de rock and roll estadounidense. Considerado el "padre" del rock, fue él quien dio el paso del rhythm and blues al rock and roll en los años cincuenta. Autor de clásicos como Sweet Little Sexteen o Johnny B. Goode, del que se han realizado gran cantidad de versiones, logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo, y tuvo una gran influencia posterior, tanto en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton) como en compositores (Bob Dylan o John Lennon, ferviente admirador suyo). Su manera de tocar nerviosa, frenética, casi histérica, era un estilo único que subió su cotización espectacularmente y en muy poco tiempo.
Chuck Berry
Pasó parte de su adolescencia en un reformatorio como consecuencia de un robo que cometió. A principios de los cincuenta lideraba un trío de jazz y blues que tocaba por el circuito local. Su carrera discográfica comienza en 1955, cuando Muddy Waters le envía a ver a Leonard Chess y graba Maybellene, que sería uno de los primeros éxitos del Rock And Roll. En 1956 publica cinco singles más, pero sólo Roll Over Beethoven llegó a obtener repercusión en aquella época dominada por el gran Elvis Presley; su carrera siguió en línea ascendente, aunque nadie podía imaginar entonces la influencia que iba a ejercer en años posteriores. Actuó en vivo con frecuencia en todos los rincones del mundo e intervino en numerosos films.
En 1959 fue encarcelado por espacio de dos años, al haber sido encontrado culpable de cargos de inmoralidad contra una empleada de su night-club. Cuando salió de prisión, sus temas eran más conocidos que los de las nuevas bandas que por aquel entonces iban surgiendo (sus temas fueron versionados por The Beatles y los Rolling Stones en sus primeros álbumes) y recogió buen número de éxitos hasta 1965, cuando cambió de sello y fichó por Mercury, para el que editó tres álbumes con poca incidencia entre el público.
Volvió a Chess Records en 1970; el regreso le dio un número uno a ambos lados del Atlántico, y volvió a ser admirado por otra nueva generación de aficionados. Grabó esporádicamente y siguió actuando a lo largo de los setenta, siendo encarcelado de nuevo (esta vez por cien días) por evasión de impuestos. Su actividad en los ochenta se redujo a actuaciones y apariciones esporádicas en films y a la publicación de su autobiografía.
En la historia del Rock & Roll quedarán anotados para siempre un sinfín de magníficos temas (Maybellene de 1955, Sweet little sixteen y Johnny Be Goode, ambas de 1958, You Never Can't Tell de 1964, My Ding-A-Ding de 1972), además de su original paso del pato (con el que cruzaba el escenario de un lado a otro) y su proverbial tacañería (sus músicos le acompañaban por unos pocos dólares).
Elvis Presley
(Tupelo, Estados Unidos, 1935 - Memphis, id., 1977) Cantante de rock and roll y actor estadounidense. Nacido en el seno de una familia modesta, el joven Elvis Presley se vio obligado a trabajar desde muy temprana edad. A los once años, y ante su insistencia, sus padres le regalaron su primera guitarra.
Elvis Presley
En 1948, su familia se trasladó a Memphis, uno de los centros de la actividad musical del país. Cuando Elvis contaba apenas diecinueve años, el productor Sam Phillips, propietario de Sun Records, decidió editarle un single que contenía los temas That's all right y Blue Moon of Kentucky. Este primer intento le abrió las puertas de un programa radiofónico de música country, Louisiana Hayride, con un abanico de emisión que comprendía trece estados.
En 1955, con su popularidad en aumento, Elvis Presley fichó por la discográfica RCA. El de 1956 fue un año clave para la trayectoria de Elvis, gracias al tema Heartbreak Hotel, del cual vendió trescientos mil ejemplares en tres semanas y acabó siendo el primero de sus discos de oro. También editó su primer elepé, titulado Elvis Presley, que alcanzó el millón de copias vendidas, y se comprometió por siete años con los estudios cinematográficos Paramount, ávidos de contratar a un ídolo juvenil emergente que ya por aquel entonces provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos.
Sus apariciones televisivas empezaron a ser habituales, y las cantidades ingresadas por éstas alcanzaron cifras récord en la historia del medio. Paralelamente a su imparable ascenso a la fama mundial, algunos sectores conservadores de la sociedad estadounidense se opusieron con tesón tanto al personaje como a su música, que tildaban de pervertida e inmoral, en particular a raíz de su celebérrimo movimiento de cadera, cuyo impacto fue tan inmediato que el cantante recibió el apodo de Elvis Pelvis.
Como culminación del meteórico año de 1956, el 16 de noviembre se estrenó en Nueva York con gran éxito Love me tender, el primer film que protagonizó Elvis Presley, y el Wall Street Journal le dedicó un artículo en el que destacó los 22 millones de dólares que el merchandising asociado a su imagen llevaba recaudados hasta aquel momento.
Elvis Presley en concierto
En marzo de 1957 adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus incontables admiradores. En 1958, en el cenit de su carrera, fue llamado a filas por el ejército y destinado a Berlín Occidental, donde conoció a Priscilla Ann Beaulieu, con quien contraería matrimonio nueve años después.
Elvis Presley se licenció en marzo de 1960 e inmediatamente reanudó su actividad artística, para encadenar una larga serie de números uno en las listas estadounidenses con títulos como It's now or never o Are you lonesome tonight? y protagonizar no menos de diez películas, entre las que cabe citar Chicas, chicas, chicas (Girls, girls, girls, 1962) y Viva Las Vegas (1964).
En la segunda mitad de la década comenzó la llamada «Invasión británica», protagonizada por grupos como The Beatles y los Rolling Stones; ello conllevó cierta erosión en la popularidad del cantante, agravada por una aparente crisis artística que se prolongó hasta 1968, cuando se le ofreció protagonizar un especial televisivo que se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia de la pequeña pantalla.
Los primeros años de la década de 1970, sin embargo, supusieron para Elvis Presley un nuevo bache creativo, agravado por su adicción a las drogas y la reclusión en su mundo de fantasía particular en que se convirtió su mansión de Graceland. En 1973 se divorció de Priscilla Beaulieu y su imagen adquirió el tono claramente excesivo que caracterizó sus últimas apariciones: exagerado tupé, sobrepeso y trajes de cuero blanco con pedrería.
Tras caer inconsciente en varias ocasiones en el escenario, falleció oficialmente de un ataque al corazón, sin duda consecuencia de sus excesos. A pesar de su acelerado declive, Elvis Presley se ha convertido en un icono del siglo XX y en una de las figuras más relevantes de la historia de la música popular, como atestiguan sus más de cien discos de oro, platino y multiplatino.
Rolling Stones
Grupo de rock británico integrado por Mick Jagger (Dartford, Reino Unido, 1943), Brian Jones (Cheltenham, Reino Unido, 1944 - Londres, 1969), Keith Richards (Dartford, Reino Unido, 1943), Bill Wyman (Londres, 1941) y Charlie Watts (Londres, 1941).
Los Rolling Stones
Formado en 1962, a los Rolling Stones se les ha presentado siempre como los rivales históricos de The Beatles. Dentro de esta comparación, los Stones representaron la corriente más agresiva de la música rock, aun cuando alcanzaron el estrellato de mano de la canción I wanna be your man, compuesta por los beatles John Lennon y Paul McCartney.
De hecho, hasta 1965 los Stones no empezaron a publicar sus propios temas, como (I can't get no) Satisfaction o Going to a gogo, habitualmente compuestas por el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, mucho más infuidos por el rhythm & blues que por el propio rock & roll que marcó al grupo de Liverpool. En 1969, Jones falleció durante el transcurso de una fiesta al caer en una piscina tras haber ingerido gran cantidad de alcohol; su lugar en el grupo fue ocupado en un principio por el guitarrista Mick Taylor. En 1976, Taylor abandonó la formación y fue reemplazado por Ron Wood.
Los Rolling Stones destacan por ser un grupo de una extraordinaria longevidad, pues en 1964 iniciaron su primera gira de conciertos por Estados Unidos y todavía en 1997 llevaban a cabo giras mundiales tan relevantes como la de presentación del disco Bridges to Babylon. En 2016 seguían grabando álbumes de estudio (los últimos de la banda son A Bigger Bang, de 2005, y Blue & Lonesome, lanzado en 2016) y ofreciendo recitales en directo. Este hecho, unido a su calidad musical, los ha convertido en verdaderos mitos de la música popular.
Aparte de su faceta musical, Mick Jagger ha realizado dos películas como actor, Performance (1970), filme de estética psicodélica en el que el propio Jagger muestra el camaleónico estilo de su íntimo amigo David Bowie, y Freejack (1992). Junto al inmenso reconocimiento popular de que disfrutan a nivel mundial, los Stones recibieron en 1986 el Grammy por su carrera musical y en 1989 fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame.
En 1993, Keith Richards pasó a formar parte del Hall of Fame de compositores de canciones, y en 1994 la cadena estadounidense MTV otorgó al grupo su premio en reconocimiento a su carrera artística. Además, el 10 de noviembre de 1994 los Rolling Stones se convirtieron en el primer grupo de rock & roll que retransmitieron un concierto en directo a través de Internet.
AC/DC
El grupo australiano AC/DC se formó en (Australia) en 1973, gracias a dos hermanos escoceses, Malcolm y Angus Young. El nombre del grupo, con connotaciones eléctricas, son las iniciales en inglés de Corriente alterna/ Corriente continua. Cuando el grupo se formó Angus apenas tenía 15 años, por lo que alguien le sugirió que se subiera al escenario vestido con el uniforme colegial. A partir de ese momento, aquella fue la enseña de la banda.
En 1974 los hermanos Young se trasladan a Melbourne, donde se unen al batería Phil Rudd y al bajista Mark Evans. Como cantante se les unió Bon Scott, quien ya había participado anteriormente en algunas bandas de pop. Además, Scott aportó a la banda un estilo agresivo de chicos inadaptados que les acompañó a lo largo de su carrera. De esta forma, con la banda ya formada, realizan una gira por Australia, comenzando a trabajar en lo que sería su primer álbum.
En 1975 aparecen en Australia los dos primeros álbumes de AC/DC, titulados "High voltage" y "T.N.T". Un año más tarde firman contrato con la discográfica Atlantic Records, quienes editan "High voltage" para el Reino Unido, un nuevo álbum que mezcla temas de sus dos trabajos en Australia. Ese mismo año publican su primer trabajo propiamente británico, "Dirty deeds done dirt cheap".
En 1977 Evans abandona la banda y es sustituído por Cliff Williams, con quien comienzan publicando el álbum "Let there be rock", que se aupó al número uno de las listas americanas. Parte del éxito se lo deben a sus espectaculares conciertos en directo y a la energía que derrochan sobre el escenario.
En 1978 aparece publicado "Powerage", que precedió al primer gran éxito de la banda, "Highway to hell", un álbum con ventas millonarias y que entró en los primeros puestos de todas las listas, consiguiendo numerosos discos de oro. Poco después del éxito de "Highway to hell", el cantante de la banda, Bon Scott apareció muerto en Londres. AC/DC tuvo que recomponerse, uniéndose a la banda Brian Johnson en el lugar ocupado anteriormente por Scott.
El siguiente trabajo de AC/DC fue "Back in black", en 1980, que llegó a ser número uno en Inglaterra y Estados Unidos, vendiendo más de 10 millones de copias solamente en el país norteamericano. Se calcula que hasta la fecha se han vendido 44 millones del copias del álbum, lo que le colocaría como uno de los más vendidos de la historia. A partir de este momento, los trabajos anteriores de AC/DC comenzaron a venderse como rosquillas, lo que llevó a la banda a aprovechar el tirón en su siguiente disco.
En 1981 aparece "For those about to rock", con el que nuevamente conquistaron el mercado americano. Un año después, el batería Phil Rudd abandona la banda y es sustituído por Simon Wright.
En 1983 se publica "Flick of the switch", con el que AC/DC comienza una etapa menos brillante en su historia. Los siguientes trabajos de la banda siguen con la línea descendente de ventas: "Fly on the wall" y el recopilatorio "Who made who" pertenecen a esta época del grupo.
En 1987 publican "Blow up your video", con el que se lanzaron a una gira en la que Malcom fue sustituído temporalmente por su primo Steve. tras la gira, Wright abandonó el grupo, siendo sustituído por Chris Slade, con amplia experiencia en diversos grupos.
En 1990 aparece un nuevo álbum de AC/DC, titulado "The razors edge", con el que llegan al número dos en las listas americanas, estando situados en listas durante más de un año consecutivo. En 1992 publican un disco en directo, "AC/DC Live".
El siguiente trabajo de la banda aparece en 1995, bajo el título de "Ballbreaker", de nuevo con Phil Rudd incorporado al grupo. El disco fue un enorme éxito, vendiendo varios millones de copias y estando en puestos preferentes en las listas de Estados Unidos.
En 1997 publican una caja con cinco CD's, como homenaje al fallecido Bon Scott. En el año 2000 publican el álbum "Stiff upper lip", grabado en el estudio de Bryan Adams en Canadá. Para promocionar este disco realizaron una gira por innumerables países, entre ellos España. Precisamente, los hermanos Young estuvieron en la localidad madrileña de Leganés, para inaugurar una calle que lleva su nombre. Se da la circunstancia de que la placa que lleva el nombre de la calle fue robada el mismo día de la inauguración.
En Octubre de 2008, rompiendo un silencio de 8 años, AC/DC regresa a los estudios de grabación para publicar un nuevo trabajo, titulado "Black ice". El álbum contiene 15 nuevas canciones, entre las que destaca su primer single 'Rock 'n' Roll train'.
The Beatles
Grupo británico de música rock y pop, el más admirado y popular de la década de 1960 y uno de los más influyentes en la historia de la música moderna. Si el gran Elvis Presley dominó los años 50 como rey del rock and roll, correspondió a The Beatles, un grupo también rockero en sus raíces, ejercer la hegemonía en la década siguiente con una acertadísima y sofisticada amalgama de estilos que llevaría la música pop a todos los públicos y preludió géneros posteriores.
The Beatles
En tanto que referencia de la juventud de los 60, de cuya rebeldía fueron manifestaciones fenómenos como el movimiento hippie o mayo del 68, y también en tanto que producto de consumo en una década de modas y prosperidad, hubiera podido esperarse que el fervor suscitado por aquel riquísimo vendaval musical se desvaneciese lentamente tras la disolución del grupo. Sin embargo, medio siglo después, las mejores canciones de The Beatles siguen sin parecer «antiguas»: conservan intacta su frescura y parecen haber ingresado en una especie de patrimonio atemporal, como si su música ya no perteneciese a una época, sino a todas las generaciones.
Formación
A partir de 1962, año en que quedó configurado de forma estable, y hasta su separación oficial en 1970, los integrantes de The Beatles fueron John Lennon (Liverpool, 1940-Nueva York, 1980), Paul McCartney (Liverpool, 1942), George Harrison (Liverpool, 1943-Los Ángeles, 2001) y Ringo Starr (Liverpool, 1940). No obstante, es difícil dar una fecha exacta de cuándo se formaron The Beatles. En la segunda mitad de la década de 1950, John Lennon y su amigo Peter Shotton (que lo abandonaría poco después) formaron un grupo de música al que llamaron The Quarrymen, al cual en 1957 se añadió Paul McCartney, seguido poco más tarde por George Harrison.
The Quarrymen empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. Ya por entonces resultaba evidente la necesidad de incorporar a un batería. El nombre del grupo iría sufriendo nuevas variaciones, desde Johnny and the Moondogs hasta The Silver Beatles y The Beatles (1960), que a la postre resultaría el definitivo; tal denominación surgió de la moda de poner nombres de animales a los grupos musicales (beetle significa «escarabajo») y del juego de palabras con el estilo que entonces practicaban (la música beat, «golpe»).
Finalmente incorporaron a un batería, Peter Best, y consiguieron un contrato para tocar en Hamburgo, en un local de dudosa fama llamado Kaiserkeller. Su primera aventura alemana terminó prematuramente con la expulsión de George Harrison del país debido a su minoría de edad; la misma suerte corrieron luego Paul McCartney y Peter Best, aunque no por minoría de edad, sino por gamberrismo.
Los Beatles (George Harrison, Paul McCartney, Peter Best y John Lennon) en su primitiva imagen rockera (The Cavern, Liverpool, febrero de 1961)
En 1961 volverían otra vez a Alemania, para regresar de nuevo al Reino Unido sin pena ni gloria. Peter Best dejó el grupo por profundas desavenencias con el resto de sus miembros y fue sustituido por Ringo Starr (nombre artístico de Richard Starkey). Poco después, Stuart Sutcliffe moría en Alemania, víctima de un derrame cerebral; con ello quedó cerrada definitivamente la lista de integrantes de The Beatles: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.
La composición de los temas correría casi siempre a cargo del tándem formado por John Lennon (guitarra rítmica) y Paul McCartney (bajo). En general se deben a Lennon, a quien debe considerarse el líder y el alma creativa del grupo, las canciones más innovadoras y la exigencia artística e intelectual; el brillante talento musical de McCartney se dejaba llevar fácilmente por lo comercial, pero igualmente las canciones acababan siendo el resultado del contrapeso entre ambos. En una fase más avanzada, el siempre inquieto George Harrison (guitarra solista) contribuyó al repertorio del grupo con valiosas aportaciones; muy pocas, en cambio, son debidas al desenfadado batería Ringo Starr.
La «beatlemanía»
Pese a la nula repercusión, la experiencia en Alemania había dado consistencia al grupo, aunque a principios de los 60 no parecía más que otra de las numerosas bandas que, desde el triunfo del rock and roll estadounidense a mediados de los 50, cultivaban con pasión este género en el Reino Unido, interpretando o versionando temas de Elvis Presley, Chuck Berry y otros grandes rockeros americanos. The Beatles, sin embargo, habían comenzado a componer e interpretar sus propias canciones, y gozaban ya de cierta fama; tocaban en pequeños clubes de Liverpool, como The Cavern (La Caverna), y eran conocidos en el área de Liverpool, pero todavía ningún sello discográfico había llamado a sus puertas.
The Beatles en concierto
A finales de 1961, tras escucharles en una actuación, Brian Epstein quedó entusiasmado y se convirtió en su representante artístico; el papel de este propietario de una tienda de discos sin ninguna experiencia como mánager resultó tan decisivo que sería llamado «el quinto beatle». Epstein modeló un nuevo look para el grupo (que pasó de lucir tejanos y cueros rockeros a elegantes chaquetas y peinado de casco) y les presentó al productor George Martin, que los contrató para grabar un sencillo. Este primer trabajo discográfico se tituló Love me do (1962) y logró situarse en las listas de éxitos del Reino Unido. Ya en 1963, Please, please me y poco después From me to you y She loves you accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas. Ese año puede ser considerado el del nacimiento de la «beatlemanía», un fenómeno de idolatría hacia el grupo cuya máxima expresión eran los accesos de histeria que el público femenino sufría en los conciertos de la formación.
La «beatlemanía» se extendió en 1964 a Estados Unidos, donde temas como Love me do, She loves you o I want to hold your hand, arropados por su primera gira en este país, alcanzaron el primer puesto en las listas de éxitos. El libro Guinness de los récords recoge un dato bien revelador: en un mismo mes, dos álbumes y cinco singles de The Beatles lideraron las respectivas listas estadounidenses. En lugar de, como era tradicional, irradiar su influencia musical por todo el mundo, los Estados Unidos sufrieron la llamada «Invasión británica», con el grupo de Liverpool como cabeza de puente de una serie de bandas (The Animals, The Who o los Rolling Stones) que también desembarcarían en el nuevo continente, destronando la supremacía del rock and roll americano.
Interpretando She loves you entre una explosión de «beatlemanía» (Manchester, 1963)
Simultáneamente, y aprovechando su popularidad, The Beatles rodaron diversas películas, entre las que cabe destacar ¡Qué noche la de aquel día! (A Hard Day's Night, 1964), un vehículo promocional que relataba tres días en la vida de los Beatles y reflejó los fenómenos de arrebatado paroxismo que el grupo desencadenaba allá por donde pasase. El director, Richard Lester, dio al filme un tono de humor surrealista, destrozando con el montaje las nociones de espacio y tiempo, como se pone de manifiesto en la escena en que los Beatles están a la vez dentro del tren y corriendo para tomarlo. El mismo cineasta los dirigiría en Help! (1965). El lanzamiento de los álbumes homónimos acompañó ambos estrenos; también por entonces se editaron los elepés Beatles For Sale (1964) y Rubber Soul (1965).
De hecho, hasta 1965, el grupo siguió encadenando discos a una media de dos o más por año, la mayoría de cuyas canciones fueron escritas por ellos mismos, lo que da idea de su extraordinaria fecundidad. Durante estos primeros años, The Beatles realizaron giras por todo el mundo, pero sus conciertos fueron espaciándose progresivamente, en parte por la creciente irritación del grupo ante aquella exacerbada idolatría, más orientada a sus personas que a su música. Tras ciertos incidentes a su paso por Filipinas y el sur de Estados Unidos y la polémica desatada por una frase de Lennon («somos más populares que Jesús»), dieron su último concierto en San Francisco, en agosto de 1966. Con su retiro, la «beatlemanía» se fue apagando sólo en su sentido de frenesí colectivo; siguieron siendo el grupo de referencia de su tiempo y teniendo entusiastas seguidores.
Madurez y disolución
A partir de entonces se limitarían a hacer grabaciones en estudio. Empezaba así una nueva etapa en su carrera, con una nueva imagen y un nuevo estilo, más serio y profundo. Experimentando con avanzadas técnicas para crear innovadores efectos musicales, los registros de su música se ampliaron y dieron entrada al blues, al country, a parodias de los años veinte, a influencias orientales y a la crítica social, elementos que quedaron armónicamente integrados en un sonido propio e inconfundible.
Los Beatles en el estudio de Abbey Road
El primer álbum de esta segunda etapa, Revolver (1966), contenía ya un puñado de excelentes canciones musicalmente novedosas y alejadas en su letras de los estereotipos amorosos al uso (Taxman, Eleanor Rigby, Tomorrow never knows). Al año siguiente se intensificó su contacto con las drogas psicodélicas (especialmente el LSD), con el movimiento hippie y con el misticismo oriental, encarnado en la figura del Maharishi Mahesh Yogi, a quien acompañaron a la India.
Todo ello confluyó en la salida al mercado de su obra más revolucionaria, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), un elepé que marcaría el nacimiento de la música psicodélica y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses. Ejemplo eminente, especialmente en su cara A, de lo que se ha dado en llamar «álbum conceptual» (es decir, concebido como una obra unitaria que supera la mera yuxtaposición de canciones), el disco es una celebración de la música, la solidaridad, la libertad y la fantasía expresada en una sofisticada y armónica mixtura de estilos; en la cumbre de su capacidad creadora y funcionando como un solo hombre, el grupo supo escoger, entre las múltiples tradiciones musicales, la más adecuada para acompañar cada letra, hasta obtener el brillantísimo resultado final.
Pero 1967 fue también el año del fallecimiento de quien los había llevado al estrellato, Brian Epstein, seguramente el único capaz de mantener unidas personalidades tan dispares. John Lennon siempre afirmaría que la muerte de Epstein significó el fin de los Beatles. La separación oficial tardaría en producirse, y fue precedida por indicios clamorosos, como la publicación de discos en solitario de John Lennon (tres álbumes producidos con Yoko Ono, su esposa desde 1968) y de George Harrison. Probablemente no tuvo lugar antes por el interés de sus componentes de editar los trabajos conjuntos pendientes antes de iniciar una trayectoria personal.
John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison (Londres, 1968)
Así vieron la luz las composiciones de Magical Mystery Tour (1967), un fallido filme para la televisión; el doble elepé The White Album (1968); la banda sonora de su deliciosa película de animación Yellow Submarine (1969), y Abbey Road (1969). Tras la publicación de Let it be (1970), que pese a su calidad musical suponía, para Lennon y para muchos, el fin de inconformismo y el retorno al redil en temas como el que da título al álbum, las desavenencias en el seno de la formación acabaron con la disolución de la misma y cada miembro continuó, con diversa fortuna, su carrera musical en solitario, sin que fructificase ninguno de los intentos de volver a reunirlos. La muerte de John Lennon en 1980 a manos de un perturbado tuvo un gran impacto en todo el mundo, y terminó con cualquier sueño de sus fans en este sentido.
La influencia de la obra de The Beatles a lo largo de las décadas subsiguientes ha sido inmensa. Por citar sólo unos ejemplos, de la psicodelia del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band arranca toda una corriente que llega a grupos como Pink Floyd o Emerson, Lake & Palmer y dio origen al denominado rock sinfónico; su influjo todavía se dejaría sentir poderosamente en el brit pop, uno de los fenómenos musicales más significativos de los años noventa. Al margen de su indudable importancia artística, The Beatles quedaron para siempre como el símbolo de un estilo de vida que entroncó perfectamente con las profundas inquietudes juveniles de la década de 1960.
Sex Pistols
Ningún grupo, ningún artista en el mundo del rock ha tenido un efecto tan grande en tan poco tiempo como The Sex Pistols. The Beatles, Dylan, Presley, The Rolling Stones tardaron más tiempo en alcanzar la celebridad. Hasta las carreras más meteóricas brillaron durante más tiempo: Jim Morrison, Jimi Hendrix, Janis Joplin pudieron expresar su creatividad a lo largo de algunos años. Los Sex Pistols, sin embargo, inflamaron la escena en un año y, cuando el incendio estaba devastando el mundo de la música juvenil, ya se habían disuelto, divididos por las inseguridades, las ansias y el martirio de una música que había encontrado nuevos héroes para el sacrificio. Entre el 6 de noviembre de 1976, fecha de su primer concierto, y el 19 de enero de 1978, anuncio de la disolución , se consumó la trayectoria de esta bomba activada por Malcom McLaren, uno de los más geniales managers de la historia del rock. Fue tan importante su presencia en toda la operación "Sex Pistols" que muchos se vieron inclinados a pensar que si en el lugar de Sid Vicious o Johnny Rotten hubieran estado otros jóvenes veinteañeros el resultado no hubiera cambiado. Lo que realmente contó fue la astuta presencia de McLaren, ávido de protagonismo, un no-músico que logró convertirse en un famoso en el mundo de los músicos.
"Pelo de Zanahoria" McLaren siempre había jugado un activo papel en la movida londinense: en su boutique de King's Road se daban cita los muchachos que más tarde harían estallar el movimiento punk, como músicos y como público. A mediados de los 70 McLaren ya había intentado triunfar en el mundo del rock. Durante mucho tiempo, había oficiado como manager de los New Yorks Dolls, en el período de decadencia de este agresivo grupo, verdadero ejemplo de punk en embrión. Durante meses McLaren acentuó el aspecto espectacular de las "muñecas" y recuperó, trajes de escena de color rosado, chapas y otros accesorios que, aunque no cambiasen la naturaleza del sonido, excitaban la fantasía del público. Precisamente en los meses que pasó en Nueva York, McLaren fotografió todo lo que le serviría después para triunfar en Londres: las famosas camisetas desgarradas que más tarde se constituirán en la divisa punk las "robó" de Richard Hell, bajista de Television, y, a través de su tienda las difundió entre los airados jóvenes de Londres. En la boutique de McLaren se conocieron Paul Cook y Steve Jones quienes querían formar un grupo que se habría de llamar The Swankers. Una vez reclutado Glen Matlock, sólo faltaba un cantante que estuviera en condiciones de expresar la ruda sensibilidad del grupo. Por aquellos días frecuentaba la tienda un muchacho de cabellos verdes y ojos fanáticos, John Lydon, nacido el 31 de enero de 1956, que cambió su nombre por el de Rotten cuando se adhirió a la iniciativa.
Acerca de aquel período, Matlock recuerda: "Johnny nos dijo enseguida que no sabía cantar pero que eso no era en verdad un gran problema; de hecho nosotros estábamos aprendiendo a tocar los instrumentos; Johnny, sin embargo, daba la imagen justa y era simpático". El grupo se inició así, a mediados de 1976, sin tener ningún conocimiento musical. Los cuatro muchachos sólo sentían el deseo de expresar un gran malestar artístico y social. La gran recesión que había afectado a Europa se había hecho sentir particularmente en Gran Bretaña: los grandes valores de la tradición inglesa estaban cada vez más lejos de la sensibilidad de las nuevas generaciones. Incluso la música, habitual desahogo de las emociones, no satisfacía a los nuevos veinteañeros que encontraban superados, pretenciosos y aburridos a los grandes grupos del rock progresivo: Bowie, Genesis, Clapton, incluso The Rolling Stones. Desde abajo, al margen de los circuitos discográficos y de las grandes compañías, florecían nuevas y testarudas iniciativas. Estos nuevos empresarios, autores de fanzines y peluqueros que usaban las tijeras como los apaches empleaban el cuchillo, eran la expresión de un frenético vivir al margen, por la noche, y vestían de un modo que desafiaba todas las reglas. Naturalmente, la música no quedó excluida de esta revolución.
Si el rock de los primeros años setenta había crecido para responder a exigencias del espectáculo, convirtiéndose en un montaje paquidérmico, los nuevos grupos querían volver a la simplicidad de los inicios. Este regreso al núcleo del rock se hacía de manera brutal, aullante y sin tapujos. Pocas filigranas, canciones rápidas, secas, que eran sobre todo estertores de dolor, gritos de desesperación. El nuevo rock, el punk, era un grito de alarma, una sirena que de allí en adelante hirió los oídos de todos. No hay que maravillarse, pues, si los Sex Pistols no sabían tocar al principio. Para construir su imagen, The Sex Pistols elegieron temas de The Who y The Small Faces, tocados, naturalmente, a su manera, es decir, mal: la voz de Rotten no era agradable, ni suave; era más bien como un papel de lija de sonido nasal que fastidiaba y fascinaba a la vez. Vestidos por MacLaren, quien también los bautizó con el nombre de Sex Pistols, suficientemente obsceno como para no pasar desapercibido, los músicos comenzaron a suscitar la curiosidad de todos. El 6 de noviembre de 1975 realizaron su primer concierto en el St. Martin College of Art, que duró pocos minutos; mientras sonaba la cuarta canción, alguna piadosa y atemorizada secretaria cortó la corriente, preocupada de que aquel sonido pudiese turbar el equilibrio psíquico de los alumnos. A esa primera exhibición les siguieron muchas otras: sonoras invitaciones a la revuelta, al caos y a la anarquía. La primera reseña acerca del grupo apareció en 1976 en el semanario New Musical Express: "Esto no es música esto es el caos."
Junto con The Clash, The Damned y The Buzzcoks, The Sex Pistols echaban leña a las expectativas juveniles, elaborando un repertorio simple pero eficaz. En este aspecto la habilidad de Malcolm McLaren como manager resultó fundamental. En octubre de 1976 el grupo logró firmar un contrato discográfico con Emi, recibiendo 40 mil libras esterlinas como anticipo. Pocas semanas después, The Sex Pistols hicieron su debut discográfico con el single 'Anarchy in the UK', su manifiesto, que se convirtió en un clásico de sus conciertos. Pero ahí empezaron los primeros problemas: McLaren quería como cubierta una imagen de la reina Isabel parcialmente desfigurada por el logo del grupo; la compañía no lo aceptó, pero pocos meses más tarde McLaren recuperó la idea para un nuevo disco. En noviembre dio comienzo el "Anarchy Tour", en el que participaban otras durísimas bandas punks. Pero pronto las actuaciones programadas tuvieron que suspenderse a causa de otro escándalo. En efecto, el primero de diciembre The Sex Pistols habían sido invitados a participar en el programa de televisión "Today". A causa del alcohol ingerido y de la vehemencia expresiva de los Pistols, la transmisión degeneró en bronca, en una orgía verbal con los peores insultos jamás oídos por la televisión. La prensa popular se lanzó inmediatamente sobre ellos, y Sex Pistols ocuparon las primeras páginas alcanzando así el objetivo deseado por McLaren; se cuenta que algunos honestos trabajadores, cuando se transmitió el vídeo de The Sex Pistols, destruyeron su televisor a puntapiés, para proteger a sus hijos contra aquella inmunda visión, mientras que en el Parlamento se propuso disolver al grupo por una ley. Á estas alturas, se suspendieron conciertos ya programados por temor a represalias puritanas. La polémica contribuyó a que el disco 'Anarchy in the UK', alcanzase los lugares más altos de las listas de éxitos, pero esto no bastó para tranquilizar a los preocupadísimos directivos de EMI, quienes, en enero de 1977, decidieron rescindir el contrato. Malcolm McLaren puso en acción a sus contactos y obtuvo un nuevo contrato, esta vez con A&M.
El documento se firmó con toda pompa el 30 de marzo, al aire libre, precisamente ante las austeras molduras de Buckingham Palace. Entretanto, algo nuevo había sucedido en el interior de la formación. Glen Matlock, a quien muchos consideraban el cerebro musical del grupo, había sido alejado porque, como se dijo, "quería transformar a The Sex Pistols en los nuevos Beatles". Fue sustituido por Sid Vicious, nacido el 10 de mayo de 1957, cuyo verdadero nombre era John Beverly. Con 50.000 libras esterlinas de anticipo en sus bolsillos, The Sex Pistols se aprestaron a cumplir el nuevo contrato con la publicación del single 'God save the queen', pero la operación no llegó a buen puerto. Las presiones de la opinión pública y una carta de protesta firmada por muchos músicos de A&M convencieron a los directivos para rescindir el contrato. La pelota fue recogida por el sello Virgin, del multimillonario inglés Richard Branson, que ofreció a McLaren un nuevo contrato para grabar 'God save the queen', el homenaje muy especial del grupo a la reina, quien, precisamente en el verano de 1977, celebraba su jubileo. El disco llegó al segundo puesto de las listas de éxitos a pesar de los duros ataques de los medios de comunicación, que juzgaron blasfema la canción. The Sex Pistols ya eran famosísimos: sus posturas eran copiadas, sus cabellos de punta se pusieron de moda, sus canciones rebasaron los confines británicos para convertirse en el punto de referencia de otros jóvenes de toda Europa.
En julio de 1977 apareció el tercer single, 'Pretty vacant', que escaló rápidamente las listas de éxitos, y, pocos meses después, 'Holidays in the sun', con los mismos resultados. En octubre se publicó el único álbum oficial del grupo, 'Never mind the bollocks, here's the Sex Pistols': una recopilación de las diversas canciones publicadas como caras A y B de los singles. A McLaren no le faltaban ideas. Quería hacer una película sobre el grupo llamada 'Who killed Bambi?', pero Rotten no estaba de acuerdo y la idea fue abandonada. Durante una gira por Escandinavia, las posturas del grupo causaron un gran alboroto en un local de Estocolmo y los músicos estuvieron a punto de ser linchados. En enero de 1978 The Sex Pistols llegaron a América. El 14 de enero, en el escenario del Wintherland, The Sex Pistols ofrecieron el último concierto de su historia; pocos días después McLaren anunció el fin del grupo. El manager, junto con Jones y Cook, voló hacia Brasil para encontrarse con Ronnie Biggs, uno de los autores del atraco al tren de Glasgow, uno de los robos más clamorosos de la historia, y lo convencen para grabar una canción. EI fin del grupo acarreó problemas legales entre McLaren y Rotten respecto al uso del nombre Sex Pistols y la caída cada vez más rápida de Sid Vicious en el infierno. En otoño de 1978 el bajista se trasladó con su compañera Nancy a Nueva York, al famoso Chelsea Hotel: pocas semanas después la muchacha fue hallada con un cuchillo clavado, y las sospechas recayeron en Sid Vicious, que fue detenido. En la cárcel intentó suicidarse cortándose las venas con los fragmentos de una bombilla; una vez pagada la fianza y recobrada la libertad, murió por sobredosis el 2 de febrero de 1979. McLaren no permaneció inactivo y, junto con el director Julian Temple, realizó la película 'The great rock'n'roll swindle', crónica filmada de la mayor estafa del rock'n'roll: la historia de The Sex Pistols.
Los Sex Pistols supervivientes se dividieron. Cook y Jones formaron sin éxito, The Professionals; Rotten actuó durante algún tiempo con Jimmy Pursey, el cantante de The Sham 69, y más tarde formó The Public Image Ltd., recuperando su verdadero apellido, Lydon. Para Lydon, los años 80 también fueron intensos. Con sus teñidos cabellos de alambre el cantante llevó a cabo una gira mundial con PIL. El mejor período para los PIL fue el inmediatamente posterior a la disolución de The Sex Pistols, cuando, con las heridas punk aún abiertas, publicaron 'First lssue' (1978) y 'Second edition' (1979), inicialmente puesto a la venta con el título de 'Metal box'. Más tarde, los PIL grabaron muchos temas en los que no faltaba la crítica social, tanto en los textos como en la música, pero con un estilo ya superado. 'Paris au printernps' (1980), 'Flower of romance' (1981), 'Live in Tokyo' (1983), 'This is What you want' (1984), 'Album' (1986) y 'Happy?' (1987) son los títulos de este moderno calvario musical. Además, en 1983 Lydon exhibió sus endemoniados ojos en una película policíaca, Copkilier, donde reveló dotes que, sin embargo, no fueron aprovechadas posteriormente. En 1989 salió un nuevo álbum de PIL, titulado simplemente '9'. Lydon estaba acompañado por los guitarristas Lu Edmonds (quien, acabadas las grabaciones, abandonó el grupo a raíz de una sordera) y John McGoegh, el bajista Alan Dias y el batería Bruce Smith. El sonido del grupo es agresivo, construido sobre riffs de guitarra "post-Gohic", y marca una vuelta al éxito.
el jazz
El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en los Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.
La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia de géneros musicales que comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y concentrada) requieren un ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público. Si bien el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos con más éxito comercial,nota 1 que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.2
Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica El jazz: de Nueva Orleans al jazz rock, señala:
El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos.
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