idioma de los dioses
LETRA 'EL IDIOMA DE LOS DIOSES'
me hablas sincera y me esperas cuando empieza el día.
Mi guía, mi faro de Alejandría, si me ves perdido
te miro y elimino la tristeza en un suspiro.
Das sentido a mi existencia, tú desobediencia,
tú, sola presencia merece mi reverencia,
tú me diste un don, fuiste mi espada,
siempre encerrada en tu prisión si la inspiración faltaba.
Desde la nada me abrazas, no prohibes ni amenazas
tan romántica y auténtica, tú nunca te disfrazas
como un hada y un verdugo firme escudo en la batalla,
tú, a quién acudo si otros fallan.
Me das retos, aventuras y responsabilidad,
me das éxito y dinero me quitas la intimidad,
me exiges crear, me haces temblar, soñar, me curas
me eliges para hablar si las calles están mudas.
Me desnudas con ternura y siento tu tacto y tu olor,
si te veo volar libre entre la voz de un cantautor
eres Ópera y Flamenco, eres todo lo que tengo y te amo,
mientras brotas entre las notas de un piano.
Y me desintegras pintando estas noches negras,
me alegras, me invades, me evades, alejas las tinieblas
y me resucitas siempre, nunca me mientes
eres el recipiente donde lágrimas se vierten.
Eres Tango y eres ritmo vives en do, re, mi, fa
impredecible compás cuando te vistes de Jazz,
llegas y me das ógixeno, mi único somnífero
si el mortífero estrés tensa mis músculos, discípulo
de tu inmensa maestría cuando no te conocía,
como podía vivir sin percibir tu melodía
fuiste mía y solo mía en mis horas de miseria,
compones la banda sonora de esta tragicomedia.
Tú reina entre mil reyes, cumbre de mis valles,
me levitas y asi evitas que tanto odio me ametralle
tú, si eres Hip-Hop muestras denuncia y carisma,
pero te vistes de clásica y sigues siendo la misma.
Eres tú, mi suerte, eres tú, tan fuerte, eres tú, tú, tan diferente
surges y de repente la vida olvida a la muerte.
Imposible de tenerte si naces de un pentagrama,
si el drama yace en mi cama me abres enormes ventanas,
tu llama jamás se apaga, luz de eterna juventud
cuando llores punteando una guitarra de Blues.
Eres tú, la rabia sucia y rasgada de Kurt Cobain
el compromiso sincero de Marvin Gaye,
la grandeza de John Coltrane improvisando con el saxo,
la mirada niñada en los ojos de Michael Jackson.
Y es que tu son me sedujo, tu luz me dejo perplejo y caí,
reviví como el sol en forma de Soul y R&B
bebí de tí el elixir y resistí los golpes,
si fui torpe encontre por fin mi norte, mi soporte.
Entre acordes de Mark Knopfler redobles de Hanckock Herbi,
de Vivaldi hasta Elvis, desde Verdi hasta Jack Berry.
Inmortales piezas musicales hacen que el tiempo se pare,
estallan como bombas provocando ondas letales
de esperanza, de aliento y vida, mi gran amiga
solo tu haces eficaces todas las frases que diga,
mi balanza, mi paz, mi druida, en la fatiga
solo tu haces realidad los sueños que yo persiga.
Y es que sin ti no hay destino, solo piedra y mil caminos,
sin ti, soy un mimo temblando en el camerino.
Pero tu acojes mis voces si me ves desorientado,
y bailas conmigo un Vals igual que dos enamorados.
Eres la llave inmortal que abre este mental presidio,
desde Tiste-tutanclan hasta el ójala de Silvio.
Envidio el poder que impones en canciones
despiertas mis emociones, con creaciones de Ennio Morricone.
Sensaciones sin control cuando eres Rock n' Roll,
el erotismo de un bemol en la voz de Diana Krall
el solo de guitarra eléctrica que el silencio rompe,
la armónica que esconden las manos de Steve Wonder.
Te vi dónde todo acaba y Nada Sira con Black Sabbath
respiras vida con la calma que inspira Bob Dylan,
oscilas y posees a James Brown mueves su cuerpo,
junto a Freddy Mercury, Ray Charles jamás habrán muerto.
Y es cierto da igual que suenes con un arpa o un acai,
con la clase de Frank Sinatra o de Barry white.
Eres la métrica enigmática que envuelve mi ser y lo salva,
el idioma con el que los dioses hablan, eres música.
Kurt Cobain
(Nombre artístico de Kurt Poupon; EEUU, 1967 - 1994) Compositor y cantante de rock estadounidense. Fue el creador y principal miembro de Nirvana, mítica banda cuya breve trayectoria se halla indisolublemente unida al surgimiento del grunge a principios de los años 90.
Kurt Cobain
El 20 de febrero de 1967 nace Kurt Poupon en la localidad de Aberdeen, en Washington. Ese niño, que con los años sería conocido como Kurt Cobain, arrastró a lo largo de toda su vida los problemas de su familia, que culminaron con la separación de sus padres cuando había cumplido los siete años. Kurt Cobain moriría muy joven, pero pese a muchos de sus problemas (o quizás gracias a ellos) llegó a convertirse en un ídolo musical mundial.
Kurt Cobain tuvo por primera vez en sus manos una guitarra a los catorce años, cuando se la regaló su tío. A partir de ese momento la música se convirtió en una constante en su vida y fue una herramienta que le resultó especialmente útil para expresar en parte su complicada personalidad. Con el tiempo decide, junto a su amigo Krist Novoselic, formar su primera banda, a la que llaman Fecal Matter. Son sus primeros pasos en el mundo profesional de la música.
Pronto Fecal Matter queda corta para las ansias artísticas de Kurt Cobain. Sigue unido a Novoselic para crear un nuevo grupo al que se incorpora el batería Dale Crover. Corren los años 1985 y 86 y Seattle ve nacer los primeros conciertos del mítico Nirvana. Pocos pueden sospechar que alrededor de esta formación y de la misma ciudad se originará una corriente musical que hará historia: el grunge. Ritmos de rock primitivo y desencantado se convierten rápidamente en un himno para la juventud de finales de los 80. Tanto la música como la estética de Cobain y su grupo influyen decisivamente en la sociedad de entonces.
Kurt Cobain en concierto
En el año 1988 Dale Crover ha sido sustituido por Chad Channing en Nirvana. Con el nuevo integrante del grupo se graba su primer trabajo discográfico, Nirvana. Sus dos canciones, Love Buzz y Big Cheese, consiguen ser rotundos éxitos y dan un gran prestigio a la formación de Cobain. Con la fuerza que les otorga su buena aceptación empiezan a trabajar en su primer álbum de estudio, Bleach. Los circuitos alternativos de los Estados Unidos empiezan a albergar los conciertos de Kurt Cobain y sus compañeros con temas como About a girl.
En el año 1990 se publica el segundo disco de Nirvana, Nevermind, bajo el sello de la compañía discográfica Geffen. Cobain vuelve a cambiar el batería y es ahora Dave Grohl quien toca en el grupo. Este álbum se convierte en uno de los más importantes de la historia de la música actual al vender más de quince millones de copias. Su single Smells like teen spirit es un verdadero mito para jóvenes de todo el mundo. El éxito rotundo llega a la carrera musical de Kurt Cobain, aunque él no deja de lado sus problemas de adicción a la heroína y su personalidad depresiva.
El 24 de febrero de 1992 Kurt Cobain se casa con otra cantante norteamericana, Courtney Love. Es la líder de Hole (un grupo formado solamente por mujeres) y se la conoce por su carácter problemático. El suyo será un matrimonio conflictivo en el que abundan las drogas y la violencia y del cual nacerá su única hija, Frances Bean. En el mismo 1992 ve la luz otro de los discos de Nirvana: Incesticide. Es una recopilación de temas inéditos que solo se oyen en los conciertos en directo del grupo, como por ejemplo Sliver o Son of a gun y el preludio de su último disco, llamado In utero.
Los problemas personales de Kurt Cobain son cada vez más importantes y el cantante intenta suicidarse en dos ocasiones, además de ser internado por una sobredosis en el año 1993. El 5 de abril de 1994 murió de un disparo en la cabeza, aunque su cadáver no se encontró hasta tres días después. Dos meses antes había cumplido 27 años; la versión oficial fue que se había suicidado, aunque las especulaciones sobre un posible asesinato nunca han dejado de oírse.
Tras la muerte de Cobain aparecieron en el mercado MTV Unplugged, un álbum realizado en 1993, y una recopilación póstuma hecha por los demás miembros del grupo, From the Mudy Banks of the Wishkah.
marvin gaye
Durante sus primeros años, llegó a ser conocido como "El Príncipe de Motown" y "El Príncipe del Soul", grabando numerosos hits de su época como "Pride and Joy", "Ain't No Mountain High Enough", "How Sweet It Is (To Be Loved by You)" y el número 1 en Estados Unidos y Reino Unido "I Heard It Through the Grapevine".
Marvin Pentz Gaye, Jr. nació en Washington D. C., donde su padre era un predicador, ministro de la Casa de Dios (House of God), una congregación conservadora cristiana con elementos del pentecostalismo y judaísmo ortodoxo que exigía el cumplimiento de unos códigos de conducta estrictos y no celebraba ninguna festividad. Marvin comenzó a cantar en el coro de la iglesia, un lugar sobre el que años más tarde diría «aprendí la alegría de la música»; sin embargo, en casa, debía soportar el fundamentalismo moral y los ataques de ira de su padre. Durante aquellos años, aprendió a tocar el piano y la batería, viéndose obligado a abandonar el atletismo por la intransigencia de su padre.
Sin más salida que la música, a los 15 años formó su primer grupo, DC Tones. Tras un breve paréntesis en las fuerzas aéreas, de donde fue expulsado por indisciplina, ingresó en el grupo de doo wop The Rainbows, y posteriormente en The Marquees, grabando un sencillo apadrinado por Bo Diddley que no tuvo éxito. Poco después, se unió a The Moonglows, grupo liderado por Harvey Fuqua y, por aquél entonces, uno de los mejores grupos de doo wop. «Mama Loocie» (1959, Chess Records) fue el primer sencillo publicado con The Moonglows.
Tras varios trabajos y giras, Harvey Fuqua disolvió el grupo y se trasladó a Detroit en busca de mayores oportunidades, llevándose a Gaye. Allí, fundó un sello discográfico y contrajo matrimonio con Gwen Berry, que regentaba otro pequeño sello; ambos se fusionaron poco más tarde en el sello Tri Phi Records e incorporaron a su catálogo a Marvin Gaye, que se había casado con Anna Berry,
john coltrane
John Coltrane (Hamlet, 23 de septiembre de 1926 - Nueva York, 17 de julio de 1967), apodado Trane, saxofonista (tenor y soprano) y compositor estadounidense de jazz. Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Casado con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007).
Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.
La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas (como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme).
Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).
Michael Jackson
(Gary, Indiana, 1958 - Los Ángeles, 2009) Cantante estadounidense, máxima estrella del pop de los años ochenta. Excelente bailarín y vocalista, dotado de un atractivo indudable para sus incontables seguidores en todo el mundo, Michael Jackson demostró también un talento especial para los negocios relacionados con el mundo de la música y el espectáculo. Su vida privada fue constante fuente de noticias -no siempre positivas- reflejadas con profusión de titulares por las revistas y demás publicaciones de información general.
Hermano de la también estrella del pop Janet Jackson y de la cantante La Toya Jackson, el pequeño Michael se incorporó con sólo ocho años a The Jackson Five, el grupo familiar del que, en uno u otro momento, formaron parte todos los hijos varones de la familia Jackson. Sus excelentes aptitudes para el baile y el canto lo convirtieron pronto en el líder y vocalista de la banda familiar. Su niñez en Gary, sin embargo, fue difícil, por no decir traumática; sufrió los continuos maltratos de su padre, hecho que determinó su inestable y autoexigente personalidad y explica en parte su ambiguo apego a la infancia.
Arropado por Diana Ross y otros artistas de categoría, The Jackson Five experimentó un ascenso fulgurante: tras un primer sencillo en 1967, Berry Gody los contrató para el sello Motown, que hasta 1975 editó los sucesivos y exitosos singles que, junto con las apariciones televisivas y los conciertos, lanzaron el grupo al estrellato. Sin llegar a desvincularse de sus hermanos, con quienes seguiría compartiendo grabaciones y escenarios, Michael Jackson inició una trayectoria individual en 1971, año en que editó Got to Be There (1971), al que siguió Ben(1972). Ambos álbumes entraron con fuerza en las listas; con la canción que dio título al segundo álbum, Ben, alcanzó su primer número uno en Estados Unidos. Con la discográfica Motown grabó todavía dos álbumes más (Music and Me, 1973, y Forever, Michael, 1975), de menor éxito.
Michael Jackson (izquierda) con The Jackson Five (1969)
En 1975, tras romper con Motown y fichar por Epic Records, The Jackson Five pasaron a llamarse The Jacksons. Aunque hasta 1985, y tanto en sus giras y conciertos como en las grabaciones en estudio, el grupo pudo contar con la presencia y aportaciones de su líder, Michael Jackson fue progresivamente concentrándose en su carrera en solitario, especialmente después de la fama que le reportó su intervención en la película musical de Sidney Lumet El Mago (1978), un remake de El Mago de Oz en el que, interpretando el papel de Espantapájaros, cantó a dúo con Diana Ross.
Aunque el filme no fue un gran éxito de taquilla, su director musical, Quincy Jones, quedó fascinado por el talento de aquel joven de veinte años y se convirtió en el principal artífice de la meteórica carrera que impulsaría a Michael Jackson hasta cotas de popularidad nunca vistas. La importancia del respaldo de Quincy Jones se puso en evidencia con los resultados del álbum Off the Wall (1979), que daría al nuevo ídolo del pop la nada despreciable cantidad de cinco singles de éxito consecutivos, con temas como Rock with You o Don't Stop 'Til You Get Enough. El álbum en sí no llegó a ser número uno, pero superó los ocho millones de copias vendidas antes de que acabase ese año.
A partir de entonces empezaron a conocerse algunas de las manías y extravagancias de las que Michael Jackson haría gala a lo largo de toda su carrera, como sus personales ideas religiosas o la desmedida atención que prestaba a su salud y a su apariencia física; fueron, sin embargo, los años en que mejor concentró su talento y energías en la creación artística. El éxito de Off the Wall propició una nueva colaboración de Jackson con Quincy Jones, cuyo resultado, tras un largo e intenso trabajo, fue Thriller, que no salió al mercado hasta 1982.
Caracterizado como zombi en un fragmento de Thriller (1982)
Thriller registró un éxito abrumador, pasando en poco tiempo a ser el disco de un solo artista más vendido de la historia de la música. Siete de sus nueve canciones se auparon como sencillos en las listas tanto americanas como británicas, y dos de sus temas, Billie Jean y Beat It, acompañados de atractivos vídeos, llegaron a ocupar sucesivamente el primer lugar del ranking de ventas en Estados Unidos. En Inglaterra lograría aún más fama con dos temas cantados con el ex beatle Paul McCartney, The Girl Is Mine (incluido en Thriller) y Say Say Say, que formó parte del álbum de McCartney Pipes of Peace (1983).
Michael Jackson demostró su instinto comercial al idear la creación de un vídeo para potenciar la canción que daba título al álbum y que todavía no había aparecido en forma de single. Para su dirección contrató a John Landis, y lo produjo, en gran parte, pagándolo de su bolsillo, ya que la discográfica no creía que la inversión fuese necesaria; los responsables de la compañía opinaban, muy equivocadamente, que el disco estaba ya en su límite de ventas. La aparición del vídeo de Thriller, con sus novedosos efectos especiales y su elaborada coreografía, sacudió las estructuras habituales del mercado de la música. El álbum se disparó hasta los cuarenta millones de copias, doblando casi las ventas anteriores al vídeo. El propio vídeo en formato doméstico alcanzó también ventas millonarias, dejando de ser un mero instrumento de promoción del álbum para convertirse en un negocio en sí mismo.
Tras recibir ocho premios Grammy por Thriller, todavía acompañó Michael Jackson a sus hermanos en los conciertos promocionales del penúltimo álbum de la banda, Victory (1984), así como en la gira final de The Jacksons en 1985, patrocinada por una importante compañía de refrescos. Junto a una impresionante nómina de consagrados artistas estadounidenses (Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Ray Charles, Bob Dylan, Tina Turner, entre otros), ese mismo año participó en la grabación del single We Are the World (tema compuesto por el propio Jackson y Lionel Richie), cuyos beneficios se destinaron a combatir el hambre y las enfermedades en África. No fue éste el primero ni el último de los proyectos altruistas en que colaboró el cantante; pero sus conocidas excentricidades, a menudo deformadas, y sobre todo las sospechas de pedofilia, por las que nunca llegó a ser condenado, pesarían luego como una losa sobre su imagen, haciendo olvidar que ninguna estrella musical entregó a organizaciones humanitarias tantas donaciones y recaudaciones de conciertos y discos como Michael Jackson.
Michael Jackson en concierto (Kansas City, 1988)
Centrado ya exclusivamente en su carrera en solitario, el artista siguió gozando de la admiración mundial y de ventas estratosféricas. Dos años después lanzó un nuevo álbum, Bad (1987), de casi idéntico éxito comercial que su anterior disco: cinco de los sencillos extraídos del álbum alcanzaron la primera posición en las listas. Al año siguiente publicó su autobiografía, Moonwalk (1988), y protagonizó Moonwalker(1988), filme articulado sobre una sucesión de números musicales con estética de videoclip. De esta época data la adquisición de la finca californiana en que mandó construir su fantástica residencia, el célebre rancho bautizado como Neverland («Nunca Jamás», como la isla de Peter Pan en que los niños no crecían), una gran mansión rodeada por un parque de atracciones, un zoológico y un cine.
En los años noventa apareció Dangerous (1991), promocionado, al igual que Bad, con una gran gira internacional que congregó sus millones de seguidores en todo el mundo. También el primer sencillo extraído del álbum, Black or White, ocupó el primer lugar en las listas; pero dos años después estalló un escándalo por las supuestas inclinaciones pederastas del cantante, que evitó el juicio mediante un acuerdo extrajudicial. Muchos años después, ya fallecido Michael Jackson, la presunta víctima de los abusos confesaría que, bajo la presión de su padre, había formulado acusaciones falsas para obtener una indemnización.
Portada de Dangerous (1991)
Todo ello llevó a la suspensión de algunos conciertos y a un retiro que sólo abandonó para divulgar su relación con la también cantante Lisa Marie Presley, hija de Elvis Presley. Se habían casado en secreto en mayo de 1994; el efímero matrimonio terminó a principios de 1996. En noviembre de ese mismo año, Michael Jackson volvió a contraer matrimonio con Debbie Rowe, una enfermera a la que había conocido quince años atrás, con la que tendría un niño y una niña; la unión concluyó también tempranamente en 1999, reteniendo el padre la custodia de los hijos.
Antes, a mediados de 1995, Michael Jackson editó HIStory: Past, Present and Future, Book I. Este disco doble fue una recopilación de quince de sus grandes éxitos (en el primer disco, titulado HIStory Begins) y al mismo tiempo su quinto álbum de estudio, pues el segundo disco, titulado HIStory Continues, contenía otras quince canciones nuevas, entre ellas Scream, interpretado a dúo con su hermana Janet Jackson, y You Are Not Alone, su enésimo número uno en las listas. En agosto, el ídolo participó en una sesión de Internet, respondiendo, por espacio de una hora, a las preguntas de todos aquellos que tuvieron la posibilidad de acceder al servicio. Apoyado por una campaña publicitaria sin precedentes y otra gira mundial en 1996-1997, HIStory acabó siendo el disco doble más vendido de la historia.
En la final de la Super Bowl (Pasadena, 1993)
Después de seis años de silencio (si se exceptúa el álbum de remezclas Blood on the Dance Floor: HIStory in the Mix, 1997), el sello discográfico Sony Music anunció el lanzamiento mundial de Invincible (2001), el nuevo trabajo del rey del pop. Pese a que el enfrentamiento y posterior ruptura del cantante con Sony Music limitó su promoción, las copias vendidas siguieron contándose en millones.
Pero dos años después, Michael Jackson volvió a protagonizar un escandaloso episodio mediático: la policía de Santa Bárbara emitió una orden de busca y captura contra él por un presunto delito de abusos sexuales a menores; Michael Jackson se entregó a las autoridades el 20 de noviembre de 2003, y, pese a la gravedad de la denuncia, quedó en libertad provisional después de pagar una fianza de tres millones de dólares. Su calvario no terminó ahí, pues en la primavera de 2004 volvió a ser acusado formalmente de abuso de menores, por lo que tuvo que volver de nuevo a los tribunales. En junio de 2005, tras un juicio que se prolongó por espacio de cinco meses, la sentencia absolvió al cantante de todos los cargos.
Una imagen maltrecha, penurias económicas y problemas de salud marcaron sus últimos años. Las dificultades con la justicia provocaron la clausura de su residencia, el famoso rancho Neverland; para eludir la presión mediática, se trasladó a Bahréin, invitado por el príncipe de este pequeño país del Golfo Pérsico. Jackson trató de solventar sus problemas económicos lanzando recopilatorios como King of Pop(2008) y Thriller 25 (2008), una reedición de Thriller con algunos temas nuevos, mientras preparaba su regreso a los escenarios en un último intento de relanzar su carrera. Finalmente, en marzo de 2009 anunció una gira de conciertos denominada This Is It, que había de iniciarse en Londres en julio del mismo año. Su inesperada muerte de un ataque el corazón, pocas semanas antes del comienzo de la gira, causó gran conmoción en todo el mundo.
Mark Knopfler
Hijo de Louisa Mary, inglesa, y Erwin Knopfler húngaro. Su madre era maestra y su padre un arquitecto jugador de ajedrez, cuyo antifascismo y filiación judía le obligaron a huir de su país natal en 1939.
Los Knopflers vivieron en el área de Glasgow y su hermano menor David también nació allí el 27 de diciembre de 1952. La familia después se estableció en Blyth, Northumberland, en el noreste de Inglaterra (ciudad natal de la madre), cuando él tenía siete años.
En la década de los sesenta se aficiona a la guitarra y se une pequeñas bandas y sigue las carreras de los guitarristas de la época como Jimi Hendrix.
Con dieciséis forma un duo con su amigo Sue Hercombe, siendo su mayor logro el de aparecer en la televisión local. En el año 1967 realiza un curso de periodismo y trabaja como reportero en un periódico de Leeds, a la vez que continuaba con sus estudios de gramática inglesa.
Conoce a Steve Philips, un cantante y guitarrista de blues. Juntos, crean un dúo llamado 'The Duolian String Pickers', aunque ninguno abandona sus trabajos. Mark Knopfler grabó su primera maqueta, 'Summers's Coming My Way'. Tras graduarse en la Universidad de Leeds en 1973, se traslada a Londres, intentando dedicarse a la música. Consiguió una audición y dos meses de trabajo en una banda llamada 'Brewer's Droop'. Poco tiempo después, su hermano David (en aquellos momentos, asistente social) fue a vivir con él, y ambos crearon 'Café Racers', se les añadió un estudiante de sociología llamado John Illsley, compañero de piso. Los dos hermanos eran guitarristas, e Illsley tocaba el bajo. Empezaron a ensayar una serie de temas compuestos por el propio Mark. Poco después, se les unía el batería Pick Withers, un músico con bastante experiencia a sus espaldas (había trabajado en los estudios de Dave Edmunds).
Su primera actuación la realizaron utilizando el nombre de The Cafe Racers en un festival Punk que tenía como máxima figura a Farrar House. Fue aquel día cuando, tras el concierto, un amigo de Withers, bromeando sobre la desesperada situación financiera del grupo, creó el nombre Dire Straits (una expresión inglesa que, en castellano vendría a ser lo mismo que "estar en las últimas"). En su segundo concierto en aquel mismo festival, ya utilizaron el nuevo nombre.
En julio de 1977, realizan una maqueta en los estudios Pathway de Londres. Cinco canciones que enviaron en agosto al discjockey de la BBC Charlie Gillett. Aparecieron en su programa Honky Tonk Show, precisamente cuando estaba escuchando la radio John Stainze, de la compañía discográfica Vertigo. Poco después, los Dire Straits firmaban su primer contrato discográfico. En diciembre, Ed Bicknell se convertía en su primer manager. Gracias a sus contactos, los Dire Straits empezaron el año 1978 realizando una gira como teloneros de los Talking Heads. Entre los meses de febrero y marzo de 1978, Knopfler y compañía se encerraron en los Basing Street Studios de Londres para grabar su primer LP.
En mayo se editó su primer single: Sultans Of Swing. Al principio pasó desapercibido, sin embargo, al mes siguiente, su LP -titulado sencillamente Dire Straits- conseguía situarse, rápidamente en la 37ª posición de las listas de éxitos británicas. Durante los siguientes meses, se convirtieron en uno de los grupos de moda en toda Europa, gracias sobre todo a Sultans Of Swing, una canción en la que destacaba poderosamente la guitarra de Knopfler así como su voz, que muchos comparaban a la de Bob Dylan.
Mark Knopfler colaboró artistas como Sting, Eric Clapton, Bob Dylan, Tina Turner o Van Morrison. También ha participado en numerosos festivales benéficos, como el 'Live Aid Concert', en 1985 o el 'Concierto por el 70 cumpleaños de Nelson Mandela', en 1988. En Septiembre de 1997 participó en el 'Montserrat Concert', en el Royal Albert Hall.
En su carrera en solitario, ha creado bandas sonoras de películas; en 1983, el álbum 'Local Hero', para la película del mismo título, y en 1984 el disco para la película 'Cal'. En 1987 publica 'The Princess Bride', y dos años después 'Last Exit To Brooklyn'. En 1996 aparece 'Golden Heart'. En 1998 sale 'Wag The Dog', una nueva banda sonora. En 2004, lanza el álbum 'Shangri-La' y en 2006,junto a Emmylou Harris publican 'All the Roadrunning'. En 2007 editó un nuevo álbum titulado 'Kill To Get Crimson'.
Contrajo matrimonio con Kathleen Urwin White el 4 de marzo de 1972, se separaron dos años después. Posteriormente estuvo casado con Lourdes Salomone de 1983 a 1993, y con Kitty Aldridge desde 1997. Padre de los gemelos Benji y Joseph, de su segundo matrimonio, y de dos hijas, Isabella y Katya Ruby Rose.
Los Knopflers vivieron en el área de Glasgow y su hermano menor David también nació allí el 27 de diciembre de 1952. La familia después se estableció en Blyth, Northumberland, en el noreste de Inglaterra (ciudad natal de la madre), cuando él tenía siete años.
En la década de los sesenta se aficiona a la guitarra y se une pequeñas bandas y sigue las carreras de los guitarristas de la época como Jimi Hendrix.
Con dieciséis forma un duo con su amigo Sue Hercombe, siendo su mayor logro el de aparecer en la televisión local. En el año 1967 realiza un curso de periodismo y trabaja como reportero en un periódico de Leeds, a la vez que continuaba con sus estudios de gramática inglesa.
Conoce a Steve Philips, un cantante y guitarrista de blues. Juntos, crean un dúo llamado 'The Duolian String Pickers', aunque ninguno abandona sus trabajos. Mark Knopfler grabó su primera maqueta, 'Summers's Coming My Way'. Tras graduarse en la Universidad de Leeds en 1973, se traslada a Londres, intentando dedicarse a la música. Consiguió una audición y dos meses de trabajo en una banda llamada 'Brewer's Droop'. Poco tiempo después, su hermano David (en aquellos momentos, asistente social) fue a vivir con él, y ambos crearon 'Café Racers', se les añadió un estudiante de sociología llamado John Illsley, compañero de piso. Los dos hermanos eran guitarristas, e Illsley tocaba el bajo. Empezaron a ensayar una serie de temas compuestos por el propio Mark. Poco después, se les unía el batería Pick Withers, un músico con bastante experiencia a sus espaldas (había trabajado en los estudios de Dave Edmunds).
Su primera actuación la realizaron utilizando el nombre de The Cafe Racers en un festival Punk que tenía como máxima figura a Farrar House. Fue aquel día cuando, tras el concierto, un amigo de Withers, bromeando sobre la desesperada situación financiera del grupo, creó el nombre Dire Straits (una expresión inglesa que, en castellano vendría a ser lo mismo que "estar en las últimas"). En su segundo concierto en aquel mismo festival, ya utilizaron el nuevo nombre.
En julio de 1977, realizan una maqueta en los estudios Pathway de Londres. Cinco canciones que enviaron en agosto al discjockey de la BBC Charlie Gillett. Aparecieron en su programa Honky Tonk Show, precisamente cuando estaba escuchando la radio John Stainze, de la compañía discográfica Vertigo. Poco después, los Dire Straits firmaban su primer contrato discográfico. En diciembre, Ed Bicknell se convertía en su primer manager. Gracias a sus contactos, los Dire Straits empezaron el año 1978 realizando una gira como teloneros de los Talking Heads. Entre los meses de febrero y marzo de 1978, Knopfler y compañía se encerraron en los Basing Street Studios de Londres para grabar su primer LP.
En mayo se editó su primer single: Sultans Of Swing. Al principio pasó desapercibido, sin embargo, al mes siguiente, su LP -titulado sencillamente Dire Straits- conseguía situarse, rápidamente en la 37ª posición de las listas de éxitos británicas. Durante los siguientes meses, se convirtieron en uno de los grupos de moda en toda Europa, gracias sobre todo a Sultans Of Swing, una canción en la que destacaba poderosamente la guitarra de Knopfler así como su voz, que muchos comparaban a la de Bob Dylan.
Mark Knopfler colaboró artistas como Sting, Eric Clapton, Bob Dylan, Tina Turner o Van Morrison. También ha participado en numerosos festivales benéficos, como el 'Live Aid Concert', en 1985 o el 'Concierto por el 70 cumpleaños de Nelson Mandela', en 1988. En Septiembre de 1997 participó en el 'Montserrat Concert', en el Royal Albert Hall.
En su carrera en solitario, ha creado bandas sonoras de películas; en 1983, el álbum 'Local Hero', para la película del mismo título, y en 1984 el disco para la película 'Cal'. En 1987 publica 'The Princess Bride', y dos años después 'Last Exit To Brooklyn'. En 1996 aparece 'Golden Heart'. En 1998 sale 'Wag The Dog', una nueva banda sonora. En 2004, lanza el álbum 'Shangri-La' y en 2006,junto a Emmylou Harris publican 'All the Roadrunning'. En 2007 editó un nuevo álbum titulado 'Kill To Get Crimson'.
Contrajo matrimonio con Kathleen Urwin White el 4 de marzo de 1972, se separaron dos años después. Posteriormente estuvo casado con Lourdes Salomone de 1983 a 1993, y con Kitty Aldridge desde 1997. Padre de los gemelos Benji y Joseph, de su segundo matrimonio, y de dos hijas, Isabella y Katya Ruby Rose.
Hanckock Herbi
Nació el 12 de abril de 1940 en Chicago, Illinois.
Hijo de Winnie Belle Griffin, secretaria y Wayman Edward Hancock, inspector cárnico.
Asistió a la Wendell Phillips High School. Estudió piano desde los siete años siendo considerado niño prodigio. Interpretó el primer movimiento de Wolfgang Amadeus Mozart, Concierto para piano n.º 26 en re mayor, K. 537 (Coronación) en un concierto para los jóvenes el 5 de febrero de 1952, con la Orquesta Sinfónica de Chicago a la edad de 11 años. También cursó estudios en el Grinnell College y en la Universidad de Roosevelt. Se despertó su interés por el jazz al escuchar discos de Oscar Peterson y George Shearing.
En 1962 firmó su primer contrato discográfico y en 1963 se unió al quinteto de Miles Davis, inolvidable segundo quinteto de Davis, acaso la mejor formación jazzística de la historia. Combinó diversas técnicas electrónicas con la acústica del piano creando el estilo jazz-fusión con su propia banda a comienzos de los setenta. Mezcló estilos y recursos como el pop, el hard-rock, la música disco sintetizada, técnicas de doblaje musical y edición de mezclas. Es autor de la banda sonora de Blow up (1966), obra maestra de Michelangelo Antonioni y pieza fundamental del movimiento mod. En los setenta abanderó la "bastardización del jazz" con Headhunters.
Durante los años ochenta descubrió la música scratch, basada en un efecto rítmico original del rap, y junto a su nuevo grupo, la Rockit Band, exploró los ritmos de la música urbana contemporánea. Su single 'Rockit' fue número uno en las listas de éxitos y ganó un Grammy a la mejor grabación instrumental. Su álbum River: The Joni Letters, en el que cantó Tina Turner junto a otras estrellas fue premiado con el Premio Grammy al Álbum del Año en 2008. En 2010 aparece The imagine project, en el que colabora el cantante colombiano Juanes junto a otros artistas.
Hancock logró un Oscar (1987) por la música de la película Alrededor de la medianoche (1986, Bertrand Tavernier) y otro Grammy al mejor disco del año por su álbum de homenaje a Joni Mitchell.
Hijo de Winnie Belle Griffin, secretaria y Wayman Edward Hancock, inspector cárnico.
Asistió a la Wendell Phillips High School. Estudió piano desde los siete años siendo considerado niño prodigio. Interpretó el primer movimiento de Wolfgang Amadeus Mozart, Concierto para piano n.º 26 en re mayor, K. 537 (Coronación) en un concierto para los jóvenes el 5 de febrero de 1952, con la Orquesta Sinfónica de Chicago a la edad de 11 años. También cursó estudios en el Grinnell College y en la Universidad de Roosevelt. Se despertó su interés por el jazz al escuchar discos de Oscar Peterson y George Shearing.
En 1962 firmó su primer contrato discográfico y en 1963 se unió al quinteto de Miles Davis, inolvidable segundo quinteto de Davis, acaso la mejor formación jazzística de la historia. Combinó diversas técnicas electrónicas con la acústica del piano creando el estilo jazz-fusión con su propia banda a comienzos de los setenta. Mezcló estilos y recursos como el pop, el hard-rock, la música disco sintetizada, técnicas de doblaje musical y edición de mezclas. Es autor de la banda sonora de Blow up (1966), obra maestra de Michelangelo Antonioni y pieza fundamental del movimiento mod. En los setenta abanderó la "bastardización del jazz" con Headhunters.
Durante los años ochenta descubrió la música scratch, basada en un efecto rítmico original del rap, y junto a su nuevo grupo, la Rockit Band, exploró los ritmos de la música urbana contemporánea. Su single 'Rockit' fue número uno en las listas de éxitos y ganó un Grammy a la mejor grabación instrumental. Su álbum River: The Joni Letters, en el que cantó Tina Turner junto a otras estrellas fue premiado con el Premio Grammy al Álbum del Año en 2008. En 2010 aparece The imagine project, en el que colabora el cantante colombiano Juanes junto a otros artistas.
Hancock logró un Oscar (1987) por la música de la película Alrededor de la medianoche (1986, Bertrand Tavernier) y otro Grammy al mejor disco del año por su álbum de homenaje a Joni Mitchell.
Antonio Vivaldi
(Antonio Lucio Vivaldi; Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano cuya abundante obra concertística ejerció una influencia determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento de la sinfonía. Igor Stravinsky comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo concierto». No deja de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente reconocible.
Antonio Vivaldi
Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana (a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello) y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.
Biografía
Poco se sabe de la infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.
También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución dedicada a la formación musical de muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la colección L'estro armonico Op. 3, publicada en Ámsterdam en 1711.
Aun cuando en tales composiciones se dan todavía las formas del "concerto grosso", la vivacidad y la fantasía de la invención superan ya cualquier esquema y atestiguan una tendencia resuelta hacia la concepción individualista y por ende solista del concierto, que se halla mejor definida en los doce conciertos de La stravaganza Op. 4: estructura en tres movimientos (allegro-adagio-allegro), composición más ligera y rápida, casi exclusivamente homofónica, y modulación dinámica y expresiva, inclinada al desarrollo del proceso creador y fuente de nuevas emociones e invenciones.
Con estas colecciones, Antonio Vivaldi alcanzó en poco tiempo renombre en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, pues fue uno de los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en este campo.
Vivaldi
Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico le impedía en principio abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.
Inmerso en el mundo teatral como compositor y empresario, Ottone in Villa (1713) fue la primera de las óperas de Vivaldi de la que se tiene noticia. A ella siguieron títulos como Orlando furioso, Armida al campo d'Egitto, Tito Manlio y L'Olimpiade, hoy día sólo esporádicamente representadas.
La fama del músico alcanzó la cúspide en el meridiano de su vida con la publicación de sus más importantes colecciones instrumentales: Il cimento dell'armonia e dell'inventione Op. 8 y La cetra Op. 9. La primera colección, publicada en Ámsterdam en 1725, contenía un total de doce conciertos y se iniciaba con el conjunto de cuatro conciertos con violín solista titulado Las cuatro estaciones, los mejores de la colección y los más célebres de su obra.
Las cuatro estaciones
En Las cuatro estaciones, Vivaldi muestra no sólo la capacidad semántica de la música sino también su habilidad para crear climas sonoros, a la vez evocadores e intimistas. La obra describe el ciclo anual de la naturaleza, de los hombres que la trabajan y de los animales que la habitan. Cada uno de los cuatro conciertos desarrolla musicalmente el soneto de autor desconocido que lo precede, en cuyos versos se dibuja un cuadrito de la estación. Así, La primavera, siguiendo lo representado en el soneto, imita el canto de los pájaros y el temporal; y el afán descriptivo llega hasta detalles como representar a través del violín solista al pastor que duerme, mientras los restantes violines imitan el murmullo de las plantas y la viola los ladridos del perro.
El verano describe primero el sopor de la naturaleza bajo la aridez del sol y después una tormenta, ya anunciada en el primer movimiento y que alcanza el máximo de su violencia en la parte final. El otoño parece presidido por el dios Baco; el compositor presenta la embriaguez soporífera de un aldeano, feliz por la cosecha; luego, al alba, parte el cazador con sus cuernos y sus perros en busca de una presa. En El inviernopredominan las imágenes sonoras de la nieve y el hielo.
La popularidad de esta obra se remonta a la época misma de su creación. Especialmente del primero de los conciertos, La primavera, circularon enseguida en Francia copias manuscritas, arreglos e imitaciones. Pero a fines de la década de 1730 el público veneciano empezó a mostrar menor interés por su música, por lo que Vivaldi decidió en 1741 probar fortuna en Viena, donde murió en la más absoluta pobreza un mes después de su llegada.
Caído en el olvido tras su muerte, el redescubrimiento de Vivaldi no tuvo lugar hasta el siglo XX, merced a la música de Bach, quien había trascrito doce conciertos vivaldianos a diferentes instrumentos. El interés por el músico alemán fue precisamente el que abrió el camino hacia el conocimiento de un artista habilidoso en extremo, prolífico como pocos y uno de los artífices de la evolución del concierto solista tal y como hoy lo conocemos.
Tras la Segunda Guerra Mundial, apenas dos décadas después de iniciarse la recuperación y divulgación de su obra, Vivaldi se convirtió en uno de los autores más interpretados en el mundo. A pesar del triste final del compositor y del largo período de olvido, la obra de Vivaldi contribuyó, a través de Bach, a sentar las bases de lo que sería la música de los maestros del clasicismo, sobre todo en Francia, y a consolidar la estructura del concierto solista.
Elvis Presley
(Tupelo, Estados Unidos, 1935 - Memphis, id., 1977) Cantante de rock and roll y actor estadounidense. Nacido en el seno de una familia modesta, el joven Elvis Presley se vio obligado a trabajar desde muy temprana edad. A los once años, y ante su insistencia, sus padres le regalaron su primera guitarra.
Elvis Presley
En 1948, su familia se trasladó a Memphis, uno de los centros de la actividad musical del país. Cuando Elvis contaba apenas diecinueve años, el productor Sam Phillips, propietario de Sun Records, decidió editarle un single que contenía los temas That's all right y Blue Moon of Kentucky. Este primer intento le abrió las puertas de un programa radiofónico de música country, Louisiana Hayride, con un abanico de emisión que comprendía trece estados.
En 1955, con su popularidad en aumento, Elvis Presley fichó por la discográfica RCA. El de 1956 fue un año clave para la trayectoria de Elvis, gracias al tema Heartbreak Hotel, del cual vendió trescientos mil ejemplares en tres semanas y acabó siendo el primero de sus discos de oro. También editó su primer elepé, titulado Elvis Presley, que alcanzó el millón de copias vendidas, y se comprometió por siete años con los estudios cinematográficos Paramount, ávidos de contratar a un ídolo juvenil emergente que ya por aquel entonces provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos.
Sus apariciones televisivas empezaron a ser habituales, y las cantidades ingresadas por éstas alcanzaron cifras récord en la historia del medio. Paralelamente a su imparable ascenso a la fama mundial, algunos sectores conservadores de la sociedad estadounidense se opusieron con tesón tanto al personaje como a su música, que tildaban de pervertida e inmoral, en particular a raíz de su celebérrimo movimiento de cadera, cuyo impacto fue tan inmediato que el cantante recibió el apodo de Elvis Pelvis.
Como culminación del meteórico año de 1956, el 16 de noviembre se estrenó en Nueva York con gran éxito Love me tender, el primer film que protagonizó Elvis Presley, y el Wall Street Journal le dedicó un artículo en el que destacó los 22 millones de dólares que el merchandising asociado a su imagen llevaba recaudados hasta aquel momento.
Elvis Presley en concierto
En marzo de 1957 adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus incontables admiradores. En 1958, en el cenit de su carrera, fue llamado a filas por el ejército y destinado a Berlín Occidental, donde conoció a Priscilla Ann Beaulieu, con quien contraería matrimonio nueve años después.
Elvis Presley se licenció en marzo de 1960 e inmediatamente reanudó su actividad artística, para encadenar una larga serie de números uno en las listas estadounidenses con títulos como It's now or never o Are you lonesome tonight? y protagonizar no menos de diez películas, entre las que cabe citar Chicas, chicas, chicas (Girls, girls, girls, 1962) y Viva Las Vegas (1964).
En la segunda mitad de la década comenzó la llamada «Invasión británica», protagonizada por grupos como The Beatles y los Rolling Stones; ello conllevó cierta erosión en la popularidad del cantante, agravada por una aparente crisis artística que se prolongó hasta 1968, cuando se le ofreció protagonizar un especial televisivo que se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia de la pequeña pantalla.
Los primeros años de la década de 1970, sin embargo, supusieron para Elvis Presley un nuevo bache creativo, agravado por su adicción a las drogas y la reclusión en su mundo de fantasía particular en que se convirtió su mansión de Graceland. En 1973 se divorció de Priscilla Beaulieu y su imagen adquirió el tono claramente excesivo que caracterizó sus últimas apariciones: exagerado tupé, sobrepeso y trajes de cuero blanco con pedrería.
Tras caer inconsciente en varias ocasiones en el escenario, falleció oficialmente de un ataque al corazón, sin duda consecuencia de sus excesos. A pesar de su acelerado declive, Elvis Presley se ha convertido en un icono del siglo XX y en una de las figuras más relevantes de la historia de la música popular, como atestiguan sus más de cien discos de oro, platino y multiplatino.
Giuseppe Verdi
(Roncole, actual Italia, 1813-Milán, 1901) Compositor italiano. Coetáneo de Wagner, y como él un compositor eminentemente dramático, Verdi fue el gran dominador de la escena lírica europea durante la segunda mitad del siglo XIX. Su arte, empero, no fue el de un revolucionario como el del alemán, antes al contrario, para él toda renovación debía buscar su razón en el pasado. En consecuencia, aun sin traicionar los rasgos más característicos de la tradición operística italiana, sobre todo en lo concerniente al tipo de escritura vocal, consiguió dar a su música un sesgo nuevo, más realista y opuesto a toda convención no justificada.
Giuseppe Verdi
Nacido en el seno de una familia muy modesta, tuvo la fortuna de contar desde fecha temprana con la protección de Antonio Barezzi, un comerciante de Busseto aficionado a la música que desde el primer momento creyó en sus dotes. Gracias a su ayuda, el joven pudo desplazarse a Milán con el propósito de estudiar en el Conservatorio, lo que no logró porque, sorprendentemente, no superó las pruebas de acceso.
Tras estudiar con Vincenzo Lavigna, quien le dio a conocer la música italiana del pasado y la alemana de la época, fue nombrado maestro de música de Busseto en 1836, el mismo año en que contrajo matrimonio con la hija de su protector, Margherita Barezzi. El éxito que en 1839 obtuvo en Milán su primera ópera, Oberto, conte di San Bonifacio, le procuró un contrato con el prestigioso Teatro de la Scala. Sin embargo, el fracaso de su siguiente trabajo, Un giorno di regno, y, sobre todo, la muerte de su esposa y sus dos hijos, lo sumieron en una profunda depresión en la que llegó a plantearse el abandono de la carrera musical.
No lo hizo: la lectura del libreto de Nabucco le devolvió el entusiasmo por la composición. La partitura, estrenada en la Scala en 1842, recibió una acogida triunfal, no sólo por los innegables valores de la música, sino también por sus connotaciones políticas, ya que en una Italia oprimida y dividida, el público se sintió identificado con el conflicto recreado en el drama.
Con este éxito, Verdi no sólo consiguió su consagración como compositor, sino que también se convirtió en un símbolo de la lucha patriótica por la unificación política del país. I lombardi alla prima Crociata y Ernani participaron de las mismas características. Son éstos los que el compositor calificó como sus «años de galeras», en los cuales, por sus compromisos con los empresarios teatrales, se vio obligado a escribir sin pausa una ópera tras otra.
Esta situación empezó a cambiar a partir del estreno, en 1851, de Rigoletto, y, dos años más tarde, de Il Trovatore y La Traviata, sus primeras obras maestras. A partir de este momento compuso sólo aquello que deseaba componer. Su producción decreció en cuanto a número de obras, pero aumentó proporcionalmente en calidad. Y mientras sus primeras composiciones participaban de lleno de la ópera romántica italiana según el modelo llevado a su máxima expresión por Donizetti, las escritas en este período se caracterizaron por la búsqueda de la verosimilitud dramática por encima de las convenciones musicales.
Aida (1871) es ilustrativa de esta tendencia, pues en ella desaparecen las cabalette, las arias se hacen más breves y cada vez más integradas en un flujo musical continuo -que no hay que confundir con el tejido sinfónico propio del drama musical wagneriano-, y la instrumentación se hace más cuidada. Prácticamente retirado a partir de este título, aún llegó a componer un par de óperas más, ambas con libretos de Arrigo Boito sobre textos de Shakespeare: Otello y Falstaff, esta última una encantadora ópera cómica compuesta cuando el músico frisaba ya los ochenta años. Fue su canto del cisne.
Chuck Berry
(Charles Edward Berry; San José, 1931) Guitarrista, cantante y compositor de rock and roll. Considerado el "padre" del rock, fue él quien dio el paso del rhythm and blues al rock and roll en los años cincuenta. Autor de clásicos como Sweet Little Sexteen o Johnny B. Goode, del que se han realizado gran cantidad de versiones, logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo, y tuvo una gran influencia posterior, tanto en compositores (Bob Dylan, The Beatles), como en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton). Su manera de tocar nerviosa, frenética, casi histérica, era un estilo único que subió su cotización espectacularmente y en muy poco tiempo.
Chuck Berry
Pasó parte de su adolescencia en un reformatorio como consecuencia de un robo que cometió. A principios de los cincuenta lideraba un trío de jazz y blues que tocaba por el circuito local. Su carrera discográfica comienza en 1955, cuando Muddy Waters le envía a ver a Leonard Chess y graba Maybellene, que sería uno de los primeros éxitos del Rock And Roll. En 1956 publica cinco singles más, pero sólo Roll Over Beethoven llegó a obtener repercusión, siguiendo su carrera en línea ascendente, aunque nadie podía imaginar entonces la influencia que iba a ejercer en años posteriores. Actuó en vivo con frecuencia en todos los rincones del mundo e intervino en numerosos films.
En 1959 fue encarcelado por espacio de dos años, al haber sido encontrado culpable de cargos de inmoralidad contra una empleada de su night-club. Cuando salió de prisión, sus temas eran más conocidos que los de las nuevas bandas que por aquel entonces iban surgiendo (sus temas fueron versionados por los Beatles y los Rolling Stones en sus primeros álbumes) y recogió buen número de éxitos hasta 1965, cuando cambió de sello y fichó por Mercury, para el que editó tres álbumes con poca incidencia entre el público.
Volvió a Chess Records en 1970; el regreso le dio un número uno a ambos lados del Atlántico, y volvió a ser admirado por otra nueva generación de aficionados. Grabó esporádicamente y siguió actuando a lo largo de los setenta, siendo encarcelado de nuevo (esta vez por cien días) por evasión de impuestos. Su actividad en los ochenta se redujo a actuaciones y apariciones esporádicas en films y a la publicación de su autobiografía.
En la historia del Rock & Roll quedarán anotados para siempre un sinfín de magníficos temas (Maybellene de 1955, Sweet little sixteen y Johnny Be Goode, ambas de 1958, You Never Can't Tell de 1964, My Ding-A-Ding de 1972), además de su original paso del pato (con el que cruzaba el escenario de un lado a otro) y su proverbial tacañería (sus músicos le acompañaban por unos pocos dólares).
Silvio Rodríguez
(Silvio Rodríguez Domínguez; San Antonio de los Baños, Cuba, 1946) Cantautor cubano. Figura capital, junto a Pablo Milanés y Noel Nicola, de la Nueva Trova cubana, en sus composiciones se puede apreciar la influencia del blues y una inteligente mezcla de lirismo y compromiso social, aunque sin caer en una excesiva politización.
Silvio Rodríguez
Nacido en el seno de una familia humilde (su padre era campesino y su madre peluquera), en 1951 se trasladó con su familia a La Habana, donde empezaría a tocar el piano. En 1963 compuso sus primeras canciones, y cuatro años más tarde participó en el programa televisivo “Música y Estrellas”. Debutó como intérprete en el Museo de Bellas Artes y en 1975, cuando llevaba ocho años como profesional y había compuesto cientos de canciones, grabó su primer disco en solitario. Además de desplegar su amplia actividad musical, trabajó la televisión cubana y con el grupo de experimentación sonora del ICAIC (Instituto Cubano de las Artes y de la Industria Cinematográfica). A lo largo de su carrera colaboró con numerosos cantantes y músicos latinoamericanos y españoles en discos y giras.
En su constante intento de renovarse experimentó con el jazz y sus raíces en las viejas baladas de la música negra, al igual que con el son de la cultura musical cubana. Más tarde, Rodríguez volvería a apostar por la fórmula del cantautor típico, acompañándose tan sólo de su peculiar voz y de su guitarra. Como ejemplos de sus diversos giros se cuentan los trabajos Te doy una canción (1975), Al final de este viaje (1978), Tríptico (1984), uno de sus más reconocidos discos, el recopilatorio Clásicos cubanos 1975-1984 (1991) y Cita con ángeles (2003).
Surgida a finales de los años sesenta e inspirada por la revolución castrista, la influencia de la Nueva Trova cubana y de Silvio Rodríguez como su máximo exponente sobre toda una generación ha sido reconocida en todo el mundo, incluso por quienes no están de acuerdo con sus ideas políticas. Fiel a los principios de la revolución cubana, el cantante ha mostrado siempre su adhesión incondicional a Fidel Castro, reclamando el levantamiento del bloqueo estadounidense a su país y la devolución de la base naval de Guantánamo.
Diana Krall
(Nanaimo, Canadá, 1964) Cantante y pianista de canadiense. Diana Krall nació el 11 de noviembre de 1964 en Nanaimo, pequeña localidad de pescadores en la isla de Vancouver, en la provincia canadiense de la Columbia Británica. Se crió con su hermana Michelle en un ambiente musical: su abuela era cantante de jazz, y sus padres, Adella y Jim, tocaban el piano.
A los cuatro años, la pequeña Diana empezó a tomar clases de piano. Cada domingo la familia al completo se reunía para interpretar clásicos de Nat King Cole o Frank Sinatra. «Nos turnábamos -recuerda ella en entrevistas-; ni siquiera puedo recordar cuándo no estábamos tocando.» Su primera influencia musical consciente fueron las decenas de discos de Fats Waller que coleccionaba su padre, y que ella intentaba reproducir nota por nota.
Diana Krall
De adolescente, Krall se unió a la banda de jazz de su escuela superior, y a los quince años logró su primer trabajo remunerado: tocaba el piano tres noches a la semana en un restaurante local. Por entonces, empezó a atraerle cada vez más el papel de cantante-pianista, a imitación de sus admiradas Roberta Flack o Nina Simone, aunque sólo se sentía del todo cómoda como instrumentista.
Encuentro con Ray Brown
En 1981 ganó una beca del Festival de Jazz de Vancouver para estudiar en la prestigiosa escuela de música Berklee, en Boston, Estados Unidos. Allí residió durante un año y medio de riguroso aprendizaje, tras lo cual volvió a cruzar la frontera canadiense para regresar a su pueblo natal.
Una noche, el reconocido bajista Ray Brown la escuchó tocar en un pequeño local de Nanaimo. Impresionado, se presentó en el camerino y le propuso ser su mentor y manager. Krall aceptó encantada, iniciando una relación profesional que se mantendría hasta el fallecimiento de Brown, en julio de 2002.
Siguiendo el consejo de Brown, Diana se mudó a Los Ángeles. Allí, con una beca del gobierno canadiense, prosiguió sus estudios bajo la tutela del pianista Jimmy Rowles, director musical de la legendaria sala de conciertos Hollywood Bowl. Rowles la animó a complementar su habilidad al piano desarrollando del todo sus posibilidades vocales, de las que todavía se sentía insegura.
Tras residir una temporada en Toronto, a principios de los años noventa se mudó a Nueva York, donde formó su propio trío. Después de hacerse un hueco en la escena local, publicó en el pequeño sello discográfico Justin Time, con base en Montreal, su primer álbum: Stepping out (1990). En este prometedor debut participaron prestigiosos músicos como Jeff Hamilton o John Clayton.
En 1994 publicó para el sello GRP Only trust your hear, en el que contó con la colaboración al bajo de su viejo amigo Ray Brown. Para este disco contó con un productor de lujo: el veterano Tommy LiPuma, cuya trayectoria incluye trabajos con Barbra Streisand, Miles Davis, João Gilberto o Natalie Cole. Ambos quedaron tan satisfechos con el resultado que LiPuma ha seguido produciendo todos sus trabajos posteriores.
Tras emprender su primera gira internacional por Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, en 1996 presentó All for you, un delicioso homenaje a la música de Nat King Cole, publicado por el clásico y renovado sello de jazz Impulse! No sólo recibió críticas excelentes (el diario The New York Times lo eligió entre los diez mejores discos del año), sino que además obtuvo unas ventas sorprendentes para su género y una nominación a los Premios Grammy.
Su siguiente disco, Love scenes (1997), la situó definitivamente entre los grandes del jazz. Participó en eventos de prestigio como las galas de ese año de tributo a Ella Fitzgerald (en el Carnegie Hall) y a Benny Carter (en el Lincoln Center), y durante semanas fue la atracción de la Oak Room, la prestigiosa sala de conciertos del Algonquin Hotel de Manhattan.
Premio Grammy
Sin embargo, pocos imaginaban hasta dónde podía llegar su popularidad. Con When I look in your eyes (1999) logró su primer disco de platino (un millón de ejemplares vendidos) y el Premio Grammy a la mejor interpretación vocal de jazz. También fue la primera artista de jazz nominada en la categoría de Álbum del Año en veinticinco años, y en participar en el Festival Lilith Fair (habitual escenario de cantantes de pop, como Alanis Morissette o Sheryl Crow).
Su música empezó a sonar en populares series de televisión como Sexo en la ciudad, o en películas como Otoño en Nueva York o The Score. Un golpe maestro(de Robert De Niro). Celebridades como Sting, Elton John o Harrison Ford declararon su afición a la joven cantante, que en 2000 recibió la Orden de la Columbia Británica, como embajadora de esa provincia y de la cultura canadiense en todo el mundo.
The look of love (2001), su siguiente paso discográfico, en el sello Verve, se planteó como un homenaje a las baladas de Frank Sinatra en clásicos como Only the lonely. A Krall se le ocurrió llamar a uno de sus músicos favoritos, el alemán Claus Ogerman, responsable del sonido de discos clásicos de Sinatra, Streisand o Antonio Carlos Jobim. El único problema era que Ogerman llevaba por entonces diecisiete años apartado de los arreglos para otros músicos de jazz, y concentrado en sus propias composiciones para piano y violín. Ello no impidió que, durante una gira por Europa, concertaran un encuentro en Munich.
El veterano músico y arreglista quedó impresionado con el talento y los conocimientos de Krall, y ambos coincidieron en su gusto por las películas antiguas. Sin dudarlo, Ogerman se sumó al proyecto y dirigió a la Orquesta Sinfónica de Londres en el acompañamiento de clásicos como Cry me a river o I get along very well without you, y una versión en español de Bésame mucho. Por supuesto, The look of love fue un éxito, y ganó dos Premios Grammy.
A continuación, Krall publicó su primer disco en directo, Live in Paris (2002), grabado en diciembre de 2001 durante una serie de recitales en el Olympia de la capital francesa. Este álbum ya anticipaba la versatilidad que iba a mostrar la cantante, con un repertorio que engloba siete décadas de la mejor música americana: desde los estándares de Tin Pan Alley de los años veinte o el I’ve got you under my skin de Cole Porter, hasta una canción de Billy Joel.
La Krall más intimista
Diana se encontraba en la cima de su carrera cuando recibió el golpe más duro de su vida. Su madre, Adella, ya había recibido un trasplante de médula ósea en 1996 para tratar de superar un cáncer, pero recayó cuatro años más tarde y se sometió a un segundo trasplante en otoño de 2001. Sin embargo, esta vez no mejoró, y falleció en mayo de 2002, a los sesenta años de edad.
Esta tragedia dio lugar a las sensibles composiciones de The girl in the other room, publicado en abril de 2004, y también la convirtió en una activa luchadora contra el cáncer (en marzo de 2004 ofreció un concierto benéfico con su marido, el músico británico Elvis Costello, y con Elton John, para recaudar fondos para un hospital de Vancouver que lucha contra la leucemia).
En el álbum, Krall expande considerablemente sus horizontes estilísticos al incorporar canciones de cantautores americanos modernos -como Tom Waits o Joni Mitchell- a su repertorio habitual de estándares del bop y el swing. También contiene seis canciones escritas a medias con su marido.
La relación con el ídolo del pop de los años ochenta fue esencial en el cambio de rumbo de la artista de jazz, que anteriormente nunca había presentado composiciones propias. Ambos se conocieron durante la entrega de los Premios Grammy de 2002, y decidieron colaborar juntos. Basándose en las largas conversaciones que mantuvieron acerca de la muerte de Adella y de cómo ésta afectó a Diana, Costello escribió las letras para una serie de melodías que la artista compuso. La relación profesional se convirtió también en sentimental, y se casaron en diciembre de 2003.
Las canciones de The girl in the other room muestran una faceta desconocida de la artista que ganó su primera nominación a los Grammy con un disco dedicado a las baladas de Nat King Cole: más vital, más pop, y al mismo tiempo más introspectiva que nunca. También supusieron su mayor triunfo comercial, con ventas millonarias tanto en Estados Unidos como en Europa.
Stevie Wonder
(Steveland Judkins-Morris; Saginaw, 1950) Cantante y compositor estadounidense. Ciego de nacimiento, fue un pianista precoz, ya célebre a los diez años; editó su primer disco a los doce y en 1963 alcanzó el éxito con su segundo disco, Fingertips. Capaz de manejar perfectamente otros instrumentos además del piano, Stevie Wonder parecía destinado a desarrollar pronto una brillante carrera. Pero aunque sus inicios eran prometedores y recibió siempre buenas críticas, la década de 1960 no fue tan rutilante como se esperaba. Contratado quizá demasiado tempranamente (en 1961) por la discográfica Motown, su talento no eclosionó hasta que, a principios de los 70, rechazó los controles que el sello imponía a sus creaciones.
Stevie Wonder
A partir de entonces y durante los veinte años siguientes sus trabajos fueron una fresca lista de éxitos de ventas que incluye temas archiconocidos: Superstition(1971), You are the sunshine of my life (1973), You haven't done nothing (1974), I wish (1976) o Sir Duke (1977) en los setenta, y That girl (1982), I just called to say I love you (1984) o Part-time lover (1985) en los ochenta. Realizó asimismo diversas bandas sonoras para películas, siendo sin duda la más conocida la de The woman in red (La mujer de rojo, 1984), a la que pertenece el tema I just called to say I love you.
En los años noventa editó los trabajos Conversation pearl (1995), Natural Wonder(1995), Greatest Hits. Vol. 1, recopilatorio de los singles editados entre 1963 y 1967, y Greatest Hits, Vol. 2, recopilatorio de sus singles desde 1968 (1998). En noviembre de 2005, después de diez años sin publicar un disco de estudio, vio la luz el álbum A time to love, formado por quince temas en los que proyecta sus experiencias de los últimos años. Los homenajes y galardones que ha recibido son incontables; en 2006 acumulaba la friolera de 22 premios Grammy, incluyendo el Grammy a toda su trayectoria, que recibió ya en 1996.
Artista comprometido, la faceta de Stevie Wonder como activista social y político es universalmente conocida, y muy en especial su militancia antirracista: cuestionó siempre el apartheid y apoyó al líder sudafricano Nelson Mandela, motivo por el que su música llegó a ser prohibida en Sudáfrica; y, promoviéndola mediante multitudinarios conciertos, hizo realidad la propuesta de instituir el día del nacimiento de Martin Luther King como fiesta nacional en los Estados Unidos.
black sabbath
Black Sabbath es una banda inglesa de heavy metal formada en 1968 en Birmingham por Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). Desde entonces, la banda ha sufrido multitud de cambios de formación, con más de veinticinco antiguos miembros. Formados originalmente como una banda de blues rock llamada en un principio Polka Tulk y posteriormente, Earth, la agrupación incorporó letras sobre ocultismo y terror con guitarras afinadas de modo más grave, cambiando su nombre por Black Sabbath y consiguiendo varios discos de oro y platino en la década de 1970. Al ser una de las primeras y más influyentes bandas de heavy metal de todos los tiempos, Black Sabbath ayudó a desarrollar el género con publicaciones tales como Paranoid, álbum que fue cuatro veces disco de platino. Han vendido más de quince millones de copias sólo en los Estados Unidos.
Ozzy Osbourne fue despedido de la banda en 1979 para ser reemplazado por Ronnie James Dio, antiguo vocalista de Rainbow. Sin embargo, Black Sabbath vio cómo, a lo largo de las décadas de 1980 y 1990, pasaron cuatro vocalistas más: Ian Gillan, Glenn Hughes, Ray Gillen y Tony Martin. La alineación original se reunió en 1997 y publicó un álbum en directo, Reunion, cuya canción « Iron Man» ganó el premio Grammy en 2000, treinta años después de su publicación original en Paranoid. La alineación de comienzos de los años 1980 formada por Iommi, Butler, Dio y Vinny Appice se reunió en 2006 bajo el nombre de Heaven and Hell, título sacado del álbum de Black Sabbath del mismo nombre.
Ozzy Osbourne fue despedido de la banda en 1979 para ser reemplazado por Ronnie James Dio, antiguo vocalista de Rainbow. Sin embargo, Black Sabbath vio cómo, a lo largo de las décadas de 1980 y 1990, pasaron cuatro vocalistas más: Ian Gillan, Glenn Hughes, Ray Gillen y Tony Martin. La alineación original se reunió en 1997 y publicó un álbum en directo, Reunion, cuya canción « Iron Man» ganó el premio Grammy en 2000, treinta años después de su publicación original en Paranoid. La alineación de comienzos de los años 1980 formada por Iommi, Butler, Dio y Vinny Appice se reunió en 2006 bajo el nombre de Heaven and Hell, título sacado del álbum de Black Sabbath del mismo nombre.
Bob Dylan
(Robert Allen Zimmerman; Duluth, Estados Unidos, 1941) Cantante y compositor estadounidense de folk y rock, una de las grandes figuras de la música contemporánea, cuya producción musical lo erigió en un referente entre los cantautores. Su admiración por el poeta Dylan Thomas le llevó a adoptar el apellido artístico por el que se hizo popular.
Bob Dylan
En la década de 1960 creó un estilo propio a partir de la recuperación de la música folk, a la cual añadió unas letras cargadas de simbolismo y reivindicaciones, que le convirtieron en un líder para la juventud contestataria de su país. Canciones como Blowin’ in the Wind, Maters of war o Talkin’ World War III blues revolucionaron el pop mundial y abrieron nuevos caminos tanto para cantautores como para bandas de rock. En 1965 recurrió a los instrumentos eléctricos e inició una serie de bruscos virajes, tanto estilísticos como espirituales, que le valieron numerosas críticas de los seguidores más puristas del folk.
Tras un largo período de silencio discográfico, volvió a llamar la atención con un trabajo recopilatorio grabado en directo y sin instrumentos eléctricos, Unplugged(1995). Algunos de sus álbumes más destacados son The freewheelin' Bob Dylan(1963), Blood on the tracks (1975) y Oh mercy (1989), mientras que Love and theft (2001) y Modern times (2006) figuran entre sus últimos discos. Nominado en varias ocasiones para el premio Nobel de Literatura, recibió el preciado galardón en 2016.
Biografía
Robert Allen Zimmerman, más conocido como Bob Dylan, nació en Duluth, Minnesota (Estados Unidos) el 24 de mayo de 1941. Desde la infancia mostró un gran interés por la música y la poesía. Vivía en un entorno rural y conoció de primera mano la música tradicional americana de origen europeo. En 1959 empezó a estudiar en la Universidad de Minnesota, donde entró en contacto con la llamada música folk y con la canción protesta. Frecuentaba los locales nocturnos en los que se interpretaba música y pronto empezó a actuar en ellos. Además, pasaba más tiempo cantando y tocando la guitarra y la armónica que estudiando.
Fue entonces cuando adoptó su nombre artístico, en homenaje al poeta americano Dylan Thomas. Bob Dylan abandonó definitivamente los estudios universitarios y, decidido a dedicarse por completo a la música, en 1961 se trasladó a Nueva York. Allí empezó a cantar en los cafés de Greenwich Village, donde se reunían los aficionados al folk. El joven cantante llamó la atención de las más importantes figuras del género, a las que admiraba y que pronto lo consideraron uno de los suyos.
Con sus guitarras, banjos, tambores y armónicas, los cantantes folk de los años sesenta iban de la mano con la expansión de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra de Vietnam. Músicos como Pete Seeger, Peter, Paul and Mary o Joan Baez, en general jóvenes comprometidos blancos de clase media y urbanos, estaban convencidos de que con canciones podían combatir el comercialismo, la hipocresía, la injusticia, la desigualdad y la guerra. También Bob Dylan transmitía con sus letras de alto contenido poético mensajes que daban un nuevo sentido a la música popular. Sus canciones de protesta no sólo reflejaban los sentimientos de la gente hacia los temas contemporáneos, sino que los creaban, ganándose el título de la voz de su generación.
Joan Baez y Bob Dylan (1963)
Una elogiosa crítica aparecida en The New York Times le abrió las puertas del mercado discográfico: la discográfica Columbia Records le ofreció grabar su primer disco, titulado Bob Dylan (1962). En este primer vinilo alternó canciones del repertorio folk y blues e incluyó dos temas propios. Bob Dylan fue bien recibido por la crítica y el público y ya mostraba las características esenciales de su estilo: mezcla de las distintas tradiciones musicales populares americanas (especialmente el folk de origen europeo y el blues afroamericano) y gran importancia de las letras de las canciones.
En 1963 se publicó el segundo disco de Bob Dylan, The Freewheelin’ Bob Dylan, que fue un gran éxito. De entre las canciones que contenía este álbum destaca Blowin’ In The Wind, convertida muy pronto en un auténtico himno generacional. Esta canción se cantaba en las manifestaciones pacifistas y a favor de los derechos civiles de la población afroamericana y fue rápidamente traducida a diversos idiomas. Dylan se había convertido en una figura de proyección internacional. Su tercer disco llegó en 1964 y el título, que lo es también de una de las canciones que contiene, expresa el sentir de una época: The Times They Are A-Changin’; es decir, Los tiempos están cambiando.
La imagen de Dylan como cantautor comprometido y figura importante de la canción protesta cambió con su siguiente disco, aparecido en 1965 y titulado Highway 61 Revisited, que incluye el tema Like a Rolling Stone. Esta canción, un auténtico exponente de genuino rock-and-roll, marcó el inicio del Dylan rockero, aunque no dejara de conceder gran importancia a las letras. En el Festival de Folk de Newport, ante la sorpresa y disgusto del público, actuó acompañado por una guitarra eléctrica y amplificadores: no volvería a ser invitado. Lo que estaba haciendo Dylan era revolucionar la idea de música folk, ampliando sus posibilidades. El 1 de junio de 1966 conquistó Europa desde el Olympia de París. El 29 de julio de este mismo año sufrió un accidente de moto, tras el cual desapareció de la vida pública durante dos años.
Bob Dylan en 1976
En 1970 se estrenó la película El precio del fracaso, dirigida por Sidney J. Furie y con banda sonora de Bob Dylan. Tres años después llegó a la gran pantalla un nuevo filme con música de Dylan, Pat Garret y Billy The Kid, dirigida por Sam Peckinpah y en la cual el cantante interpretaba un pequeño papel. En 1975 rodó su única película como director, Renaldo y Clara, y tres años después apareció en un documental firmado por Martin Scorsese titulado El último vals. Para este último trabajo, el director americano se basó en el histórico concierto de despedida de The Band, el grupo que entre mediados de la década de 1960 y mediados de la siguiente acompañaba a Bob Dylan en muchos de sus recitales. El concierto tuvo lugar el Día de Acción de Gracias en Winterland, San Francisco, y en él participaron, además de Dylan y The Band, músicos notables como Eric Clapton, Neil Young y el batería de The Beatles Ringo Starr, entre otros.
Las canciones de Dylan de la década de 1980 responden, en su mayoría, a sus inquietudes religiosas, y sus letras adquieren una notable profundidad. No vivía entonces su momento de mayor popularidad, aunque los veinticinco años de carrera musical no pasaron por alto ni a su discográfica ni al público. Así, en 1985 apareció un quíntuple álbum antológico, Biograph, que contenía versiones inéditas de algunas de sus canciones.
Dylan fue durante años un referente generacional, y llegó un momento en que los textos de sus canciones empezaron a interesar seriamente a la intelectualidad de la época. El gran poeta del movimiento beat Allen Ginsberg no dudó en mostrar su admiración por Dylan refiriéndose a él como “un importante bardo americano del siglo XX cuyos textos han influido a generaciones en todo el mundo, lo cual le hace acreedor del premio Nobel”. De hecho, desde 1996 y año tras año, el escritor y profesor de literatura Gordon Ball postularía a Dylan para la concesión de este importante premio, y la primera vez lo hizo a instancias de Ginsberg, fallecido en 1997.
A lo largo de su carrera ha recibido premios como el doctor honoris causa por la Universidad de Princeton, diversos Grammy y el Lifetime Achievement Award como reconocimiento a su trayectoria artística. Comendador de la Orden de las Artes y las Letras francesas, en 2001 recibió un Óscar a la mejor canción original y un Globo de Oro por Things Have Changed, tema incluido en la banda sonora de la película The Wonder Boys, dirigida por Curtis Hanson. En 2006 recibió dos nuevos premios Grammy por Modern Times, disco editado ese mismo año y galardonado como mejor álbum de folk contemporáneo. Además recibió por una de las canciones de este trabajo, Someday Baby, el reconocimiento como mejor solista de rock.
En los últimos años Dylan ha participado en la banda sonora de nuevas películas como Miedo y asco en Las Vegas, de Tery Gilliam (1998), y Anónimos, de Larry Charles (2003), en la que también intervenía como actor encarnando a una vieja gloria de la música encerrado en prisión. Pero también su vida y su obra han interesado a directores de cine importantes, como Martin Scorsese, que en 2005 realizó un documental titulado No Direction Home. Dos años después llegaba a la gran pantalla un filme en el que Dylan no intervenía directamente pero que estaba basado en su vida, I’m Not There, dirigido por Todd Haynes. El filme, que contaba con el beneplácito del artista, fue presentado en el Festival Internacional de Cine de Venecia en agosto de 2007.
Si algo le faltaba a Bob Dylan para acabar de forjar su leyenda, era la publicación de su autobiografía. Chronicles Volume One vio la luz en 2004 y supuso todo un acontecimiento literario internacional. En junio de 2007 se hizo pública la concesión del premio Príncipe de Asturias de las artes al cantante. Entre los candidatos figuraban el compositor Andrew Lloyd Weber, los arquitectos Frank Gehry y Rafael Moneo, así como la pianista Maria João Pires. El jurado se decidió por Dylan por su condición de “mito viviente” y por haber sido “el faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo”. Se subrayó “la austeridad en las formas y la profundidad en los mensajes” en las canciones del músico estadounidense.
El cantautor fue uno de los grandes ausentes en la ceremonia de entrega de los premios, el 26 de octubre en el Teatro Campoamor de Oviedo. Envió, sin embargo, un escueto mensaje en el que agradecía la concesión del galardón. Ese mismo mes se publicaba una retrospectiva de su obra en tres discos compactos que recogían más de cuarenta años dedicados a la música. Pocos días antes Dylan había asistido, en una sinagoga de Atlanta, a la celebración del Yom Kippur, el Día del Perdón. Allí rezó y mostró públicamente su retorno al judaísmo de sus orígenes familiares
James Brown
(Barnwell, Carolina del Sur, 1928 - Atlanta, 2006) Cantante y compositor estadounidense. Figura fundamental en la música negra, fue uno de los más grandes intérpretes de soul de los años sesenta, para convertirse en el "padrino" del funk en la década siguiente. Entre sus grabaciones destaca el disco en directo Live At The Apollo (1962), que resume la faceta más enérgica y teatral de sus shows. Toda la música de baile posterior a él es en parte deudora de su estilo nervioso y repetitivo, ejemplificado en su clásico Sex Machine, que no llegó a las listas de éxitos por problemas con los conservadores comités de moral estadounidenses.
James Brown
Su vida estuvo marcada por una serie de problemas con la justicia (posesión de estupefacientes, tenencia de arma de fuego, resistencia a la autoridad). Criado por una tía, en 1949 fue condenado a cuatro años de prisión por un pequeño hurto. Cuando salió de la cárcel, se integró en un grupo llamado The Gospel Starlighters, que en 1955 pasaría a llamarse The Famous Flames. Editaron su primer sencillo Please, Please, Please, que entró al Top 10 en las listas R&B, ya con el nombre de James Brown and The Famous Flames. Su segundo sencillo, Try Me, era una balada con aires Gospel, que llegó al número uno en las listas R&B y que comenzó a dejarse oír en las listas Pop.
En 1962, se editó Night Train, uno de los temas más admirados de James y, en 1963, Prisoner Of Love, que fue su primer Top 20 nacional. Aunque su mayor éxito en ventas vino con Live At The Apollo de 1962, con el que sobrepasó el millón de copias vendidas. A partir de ese momento cosechó una serie de grandes éxitos en las listas nacionales, con temas como Papa's Got A Brand New Pigbag o I Got You (I Feel Good), que le hicieron popular en todo el mundo, con un marcado estilo funk, que mantuvo hasta finales de la década.
Sus éxitos continuaron en los setenta, y llegó incluso a interpretar algún papel en filmes, pero en los ochenta su actividad discográfica descendió, también debido a la fuerte entrada de jóvenes artistas de color dedicados al funk, rap y hip-hop. Volvió a las listas de éxitos con Living In America (1986) y I'm Real (1988), año en que ingresó en prisión por cargos de drogas; reingresó poco después, culpable de asalto. En 1991 editó Love Overdue y Star Time, y al año siguiente Universal James, pero sin lograr la expectación que provocaron anteriores lanzamientos.
Freddie Mercury
(Zanzíbar, 1946 - Londres, 1991) Vocalista, músico y compositor que fue conocido a escala internacional como líder de la banda de rock británica Queen, pero que también desarrolló una trayectoria paralela en solitario de innegable éxito.
Freddie Mercury
Ni su verdadero nombre fue Freddie Mercury, ni llegó al mundo en el Reino Unido, el país que le vio triunfar. Se llamaba Farrokh Bulsara y nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar (Tanzania), situada en la costa este de África y famosa por su producción de especias. Figura provocadora, versátil y carismática como pocas, su fallecimiento el 24 de noviembre de 1991 conmocionó al mundo de la música.
Biografía
Farrokh era un niño extraordinariamente guapo, tímido y muy apegado a su madre y a su hermana pequeña Kashmira, que había nacido en 1952. Sus padres, Jer y Bomi Bulsara, formaban un matrimonio de origen persa devoto del profeta Zoroastro, y decidieron enviar al niño a la India para que recibiera una buena educación. Allí quedó al cuidado de sus tíos y fue matriculado en la St. Peter's School, institución de enseñanza británica situada en Panchgani, a unas cincuenta millas de Bombay.
Muy interesado por los deportes, el joven Bulsara mostró buenas maneras como boxeador aunque, después de que su madre le animara a colgar los guantes porque resultaba una práctica demasiado violenta, cambió el ring por la mesa de ping pong y a los diez años ya era campeón escolar de la disciplina.
Como también en aquellos años de la infancia comenzó a despertar su afición por la música, siguió clases de piano e ingresó en el coro de la escuela. Convencido de sus tempranas habilidades musicales, fue el propio director del St. Peter's quien recomendó a los padres del joven que iniciara los estudios de piano. Durante este periodo de formación, el inquieto Farrokh también empezó a demostrar ciertas aptitudes escénicas y participó en varias obras de teatro colegiales.
Muy pronto puso en pie su primer grupo musical, The Hectics, una banda amateur de rock and roll que prodigaba sus actuaciones en todas las fiestas y bailes del colegio. En esta formación, en la que ocupaba el puesto de pianista, le acompañaban Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Irani y Victory Rana. Las primeras influencias musicales de Farrokh llegaron de la mística música hindú, de los sonidos clásicos y algo del rock and roll que por entonces se producía en otras partes del planeta. En aquella época, sus amigos del colegio comenzaron a llamarle Freddie, traducción más o menos fiel de Farrokh al inglés, y, de hecho, el propio joven firmaba en ocasiones como Frederick.
Regresó a Zanzíbar en 1962 junto a su familia, pero un par de años después, los Bulsara decidieron emigrar al Reino Unido, para huir del estallido de violencia que sufría la isla. Curiosamente, Freddie jamás volvería a su tierra natal, ni tampoco a la India; una nueva etapa de su vida comenzaba entonces en una casa de Feltham (Middlesex), cerca de Londres.
Ingresó en el Isleworth Polythecnic y, durante las vacaciones, se empleaba en trabajos eventuales para ganar un dinero extra. Hacia 1966, Freddie era un alumno de la Ealing Art School, que estudiaba para convertirse en diseñador gráfico, aunque su interés por la música no había desaparecido. Abandonó su casa y alquiló un piso en Kensington junto a un compañero llamado Chris Smith.
Por entonces también trabó muy buena amistad con Tim Staffell, otro amigo de la Ealing que formaba parte de un grupo llamado Smile, en el que tocaban Brian May y Roger Taylor. Freddie se convirtió en seguidor y fan número uno de la banda. En 1969, dejó la escuela con su diploma en artes gráficas y diseño en el bolsillo y comenzó a compartir piso con Roger, con quien acudía a un puesto del mercadillo de Kensington para vender ropa y pinturas.
En el verano de ese mismo año, Freddie empezó a cantar en un grupo de Liverpool llamado Ibex, que se había trasladado a Londres buscando fama y éxito, pero que tuvo una efímera y complicada existencia. El 23 de agosto de 1969, Freddie debutó en público junto al trío formado por Mike Bersin, John Tupp Taylor y Mick MifferSmith. Un mes más tarde, el grupo cambió de batería y de nombre. Miffer abandonó la formación y dejó su sitio a Richard Thompson, ex componente de 1984, la banda de Brian May.
Después de esta experiencia fallida, Freddie lo intentó en otra banda llamada Sour Milk Sea, con la que contactó gracias a un anuncio del Melody Maker en el que buscaban un vocalista. A finales de 1969, Freddie era el vocalista del grupo, en el que también estaban Chris Cheney y Jeremy Rubber Gallop a la guitarra, el bajista Paul Milan y el batería Rob Tyrell. Pero esta prometedora aventura tan sólo duró unos meses porque, en abril de 1970, Smile volvió a cruzarse en su trayectoria. Su viejo amigo Tim Staffell había decidido abandonar la formación y Roger y Brian le pidieron que fuera el vocalista del grupo.
Nace Queen
Freddie insistió en renombrar a la banda y suya fue la idea de bautizarla como Queen. Al mismo tiempo, cambió su apellido artístico y se convirtió desde ese momento en Freddie Mercury. Tras las innovaciones, el trío probó con varios bajistas hasta que en 1971 se incorporó a la formación un personaje tranquilo y sosegado, John Deacon.
El logotipo, otra de las señas de identidad de Queen, fue también una creación del vocalista, que dejó patentes sus dotes como imaginativo diseñador. La imagen presentaba los cuatro signos del zodíaco de los miembros de la banda (dos leones por Roger y John, los dos leos del grupo, el cangrejo por el signo cáncer de Brian May y las ninfas que identificaban el signo virgo de Freddie) alrededor de una gigantesca Q y, sobre todo ello, el ave fénix, que saludaba el nacimiento del grupo de las cenizas de otras formaciones. También desde el primer momento fue Freddie el impulsor de la imagen visual de la formación, con su personalísima puesta en escena y su inconfundible vestuario. El resto pertenece a la historia de Queen.
Un hecho importante en la vida privada de Mercury tuvo lugar en 1970; fue entonces cuando conoció a Mary Austin, con quien convivió durante siete años y con quien conservaría una buena amistad hasta el momento de su muerte. Curiosamente, antes de que Queen editara su primer disco, Freddie lanzó en solitario un tema llamado I can hear music, bajo el nombre de Larry Lurex.
Casi una década después, cuando ya había paladeado las mieles del éxito con Queen, Mercury hizo realidad otro de sus sueños. Siempre había sido un apasionado de la danza y el 7 de octubre de 1979 actuó con el Royal Ballet, para interpretar y bailar Bohemian Rhapsody y Crazy little thing called love.
La vida de excesos derivada de la fama y el éxito fue una leyenda que acompañó inevitablemente a Freddie Mercury y sus fiestas fueron siempre sonadas, pero también se reconoció al músico por ser un gran amigo de sus amigos. Hacia finales de los setenta rompió su relación sentimental con Mary Austin y comenzaron a surgir rumores sobre su cambio de orientación sexual. Los comentarios arreciaban apoyados por el cambio radical de imagen que mostró el músico hacia 1980. Cortó al mínimo su larga cabellera y se dejó crecer un gran bigote, imitando la estética gay muy de moda en los bares de San Francisco y que fielmente habían reflejado los famosos Village People.
A finales de 1982, Queen hizo un paréntesis en su carrera y dio libertad a los miembros de la banda para que pusieran en marcha sus respectivos proyectos paralelos. Mercury alquiló los estudios Musicland de Munich y, junto al productor Mack, entró en ellos para grabar su primer álbum en solitario. Durante este período, conoció también a toda una leyenda en el mundo de la producción musical, el gran Giorgio Moroder, padre del "electro disco".
Mercury en concierto
En aquellos días, Moroder trabajaba en la banda sonora de la versión restaurada de Metrópolis, película mítica dirigida por Fritz Lang, y le pidió a Freddie que colaborara en un tema; el resultado fue Love kills, compuesta por ambos e interpretada por Mercury. El single, el primero firmado en solitario como Freddie Mercury, salió al mercado el 10 de septiembre de 1984, logró un éxito importante y le sirvió como trampolín para su siguiente trabajo.
Pocos meses antes del lanzamiento del single se había producido otro encuentro casual en la vida de Mercury que derivaría, en el futuro, en una sorprendente colaboración musical. En el mes de mayo de 1983 asistió al Royal Opera House de Londres para ver una representación de Un ballo di maschera, del compositor italiano Giuseppe Verdi, y cuentan que quedó cautivado por la belleza de la voz de la diva catalana Monserrat Caballé.
El 9 de abril de 1985 llegó a las tiendas el adelanto de su primer disco de larga duración, el sencillo I was born to love you, y, tres semanas más tarde, se presentó el álbum Mr. Bad Guy, ambos editados por CBS Records. Los resultados comerciales fueron excelentes y el 13 de julio de ese mismo año los muchos seguidores de Mercury pudieron contemplar su memorable actuación durante el concierto Live Aiden el estadio de Wembley.
A comienzos de 1987, Freddie entró en los estudios Townhouse de Londres para grabar algunas canciones. De esas sesiones nació el remake de The great pretender, un gran tema que The Platters había popularizado años atrás. A la venta desde el 23 de febrero de ese año, el trabajo se anotó un nuevo éxito en la ya larga lista del triunfante músico.
Un mes después, Mercury voló a Barcelona para conocer personalmente a aquella diva del bel canto que le cautivó años atrás. Monserrat Caballé recibió con agrado una casete con algunos temas del polifacético Mercury e incluso llegó a interpretar uno de ellos en el Covent Garden londinense. Un mes más tarde, comenzaron a trabajar en la edición de su disco conjunto, y a finales de mayo, ambos cantaron en directo el tema Barcelona en la discoteca Ku de Ibiza. El 8 de octubre de 1988 repitieron actuación en el festival La Nit de la Ciudad Condal, excelente presentación para el álbum Barcelona que se editó dos días después.
El triste final
Aquélla fue la última actuación en directo de Freddie Mercury. Aun sin anunciar la enfermedad, el deterioro de su estado físico era cada vez más evidente y Mercury se recluyó en su casa de Kensington, espaciando cada vez más sus apariciones. Ocultó su tragedia incluso a sus propios compañeros de grupo y tan sólo un día antes de su muerte anunció públicamente que padecía el sida desde 1986.
Murió en su cama a las siete de una fría tarde del día 24 de noviembre de 1991 como consecuencia de una neumonía que no pudo superar. Con tan sólo cuarenta y cinco años, el gran Freddie Mercury dijo adiós a la vida que tan intensamente había disfrutado y fue enterrado en una ceremonia íntima, conforme al rito mazdeísta.
La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro. El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. Estrellas del firmamento pop y rock, como Elton John, Guns N' Roses, Seal, Metallica, David Bowie, Robert Plant, Roger Daltrey, George Michael y Liza Minnelli, se reunieron para rendir un cálido tributo al cantante desaparecido.
No obstante, sus seguidores recibieron el mejor regalo póstumo con la edición del Made in heaven de Queen, trabajo en el que pudieron escuchar las últimas canciones que Freddie compuso antes de morir. También en 1992 se editó The great pretender, un álbum en el que se mezclaba material de Mr. Bad Guy con algún tema inédito y alguna rareza de su discografía. En el año 2000 se desveló la intención de editar una mastodóntica recopilación de diez discos compactos, cuyo anticipo fue el triple Freedie Mercury Solo.
En septiembre de 2006, coincidiendo con el que hubiera sido el sexagésimo cumpleaños del cantante, se llevaron a cabo varios homenajes, entre ellos una recopilación realizada por la discográfica EMI que, con el título de The very best of Freddie Mercury, hizo un repaso por la mejores canciones originales de Mercury, así como un segundo CD con rarezas y remezclas hechas por otros artistas.
Ray Charles
(Ray Charles Robinson; Albany, 1932 - Los Ángeles, 2004) Cantante, instrumentista y compositor estadounidense, una de las figuras más relevantes de la música negra del siglo XX. En su repertorio puede hallarse desde el blues más tradicional o el gospel hasta el jazz o el soul, estilo en el que desarrolló una vertiginosa carrera. Es difícil catalogar sus cientos de grabaciones, quizá por el eclecticismo que siempre le caracterizó. Durante su larga carrera fue galardonado con doce premios Grammy.
Ciego desde los siete años, Ray Charles aprendió a leer y componer música en el sistema Braille. Estudió en Florida, en un Instituto de San Agustín, y desde muy niño participó en distintos eventos musicales. Por influencia de su ídolo King Cole, fundó en Seattle, en 1948, un trío llamado McSon Trio (también conocido como Maxim Trio). En 1950 se asoció con Lowell Fulson, cantante y guitarrista de blues y acaso su mejor revulsivo, con quien inició una serie de giras por el país. También participó en las bandas de T-Bone Walker y de Joe Turner, que figuraban entonces entre los abanderados del blues.
Ray Charles
Su trayectoria discográfica se inició en 1953, cuando fue contratado por el agente Ahmet Ertegun, que le introdujo en la compañía Atlantic Records. A partir de entonces Ray Charles sería conocido como una de las figuras señeras e imprescindibles del rhythm & blues. Vivió sucesivamente en diversas ciudades (Nueva Orleans, Texas) y, tras unirse a Ruth Brown, formó una banda en la que también se integraron David Newman (saxo) y Joe Bridgewater (trompeta). A mediados de la década de los años cincuenta Ray Charles creó esa suerte de magnífica fusión entre el blues, el gospel y el swing, e impuso a su música también lo frenético del rock & roll.
Ya con su canción I got a woman (1954) se situó en lo más alto de la música negra. No obstante, esto fue sólo el principio. Después llegarían otros grandes éxitos como Hallelujah o I love her so, en los que introdujo como novedad el piano eléctrico en bandas de rhythm & blues. Estas bandas, por otro lado, se asemejaban ya a grandes orquestas, en las cuales era posible encontrar a trompetistas como Joe Hunt o Marcus Belgrave, saxos como Hank Crawford, David Newman o Don Wilkerson, y contrabajistas como Edgar Willis, además de algún que otro coro femenino (las llamadas Raelets) con cantantes tan sobresalientes como Mary Ann Fisher o Marjorie Hendrix.
Durante los años cincuenta, que fueron mayormente de proyección internacional, participó en proyectos de músicos de jazz muy reconocidos, como es el caso de Milt Jackson (con quien grabó el famoso Soul brothers), Betty Carter, Oscar Pettiford, Kenny Burrell o Billy Mitchell. También triunfó en algunos festivales carismáticos como el de Newport (1958) o en el templo del jazz, el conocido Carnegie Hall (1959). En 1960 visitó Europa y triunfó con su éxito Georgia in my mind; en el viejo continente, en los años ochenta, sería incluso más reconocido que en Estados Unidos.
Ray Charles fue uno de los mitos del rhythm & blues. Su estilo, personalísimo y eficaz, influido en primera instancia por Louis Jordan, Charles Brown y el inefable Nat King Cole, siguió ganando adeptos durante medio siglo y ha hecho de él uno de los personajes más carismáticos de la historia de la música. Su fusión de variados estilos musicales resultó un hallazgo. Conjugó a la perfección rhythm & blues y rock & roll, sin olvidar sus guiños al jazz (por ejemplo, en su colaboración con Benny Carter) u otros estilos tales como el country, la opereta, el gospel o el pop.
Dueño de una voz singular y reconocible por todos, su figura trajeada se convirtió en uno de los iconos más representativos de la música del siglo XX. Su voz rota, marcada y trágica una veces, melodiosa y dulce otros, e instalada en la frontera de sus propios recursos interpretativos, constituyó una de sus mejores dotes, y puede parangonarse con las de Louis Armstrong, Nat King Cole o Bessie Smith. Colaboró también con Frank Sinatra o Ella Fitzgerald, así como con Stevie Wonder.
Como pianista, su estilo también marcado y percusivo fue casi insuperable dentro del estilo del blues negro. Acordes superpuestos, ritmo frenético o melodías suaves y cadenciosas en las baladas son los rasgos musicales más características de Ray Charles al piano. Tocaba también, aunque muy anecdóticamente, el saxo. Su inmensa popularidad lo llevó a incursionar en el cine: algunas de sus películas fueron Swingin’ alone, de Charles Barton (1960), o Ballad in blue, de Paul Henried (1964). En 1978 publicó su autobiografía, Brother Ray.
Una enfermedad hepática, que arrastró durante mucho tiempo, no le impidió, pocas semanas antes de su muerte, celebrar su concierto número 10.000 en el Teatro Griego de Los Ángeles, todo un hito en el mundo de la música. Su funeral, al que acudieron 1.500 personas dentro del recinto religioso y cientos de admiradores en el exterior, contó con las sentidas aportaciones musicales de otras leyendas de la música, como B.B. King, Steve Gander o Willie Nelson. La última grabación que hizo en vida, un disco de duetos titulado Genius loves company (en el que participaron entre otros Norah Jones, Van Morrison y B.B. King) fue un auténtico éxito de ventas que se colocó en el número 2 de las listas de los más vendidos de Estados Unidos. En febrero de 2005, el disco fue galardonado con ocho premios Grammy en la 47ª edición de este certamen, entre ellos el de mejor álbum, al que hay que añadir el dúo que formó con la cantante Norah Jones, que fue merecedor de otro premio a la mejor grabación del año. En enero de 2005 se estrenó un largometraje sobre su vida titulado Ray, dirigido por Taylor Hackford e interpretado por Jamie Foxx, quien ganaría por su papel el Oscar al mejor actor.
Frank Sinatra
(Francis Albert Sinatra; Hoboken, EE UU, 1915-Los Ángeles, 1998) Cantante de música ligera y actor estadounidense. La vocación musical de Sinatra nació en 1933, tras asistir a un concierto del cantante Bing Crosby. Dos años después ingresó en el grupo llamado The Hoboken Four y se presentó al programa radiofónico Major Bowes Amateur Hours, lo que le procuró actuaciones en diversos espectáculos radiofónicos.
En 1939, el trompetista Harry James lo contrató como cantante de su orquesta, con la que realizó sus primeras grabaciones. Ese mismo año contrajo matrimonio con Nancy Barbato. En 1940 se produjeron dos hechos fundamentales en su trayectoria personal y artística: ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, uno de los conjuntos de swing más populares de Estados Unidos por aquel entonces, y nació su hija Nancy.
Frank Sinatra
Por su destacada personalidad, en 1942 se convirtió en un ídolo de la juventud estadounidense; en 1943 inició su carrera en solitario con la publicación del elepé All or nothing at all, del que logró vender un millón de copias. Con su popularidad en alza, en 1944 debutó en el cine con la película Higher and higher. Ese mismo año nacería su hijo Francis Wayne, y cuatro años después, su segunda hija, Tina. A principios de la década de 1950, una grave afección en las cuerdas vocales hizo temer que el cantante tuviera que abandonar su carrera musical prematuramente; sin embargo, se recuperó sin mayores problemas.
En 1951 se divorció de Nancy para casarse con la popular actriz Ava Gardner. Dos años después, obtuvo un Oscar de Hollywood al mejor actor secundario por su interpretación en el papel de Angelo Maggio en la película De aquí a la eternidad(From here to eternity). Ese mismo año se separó de Ava Gardner. En 1955 retomó su carrera musical con el disco In the wee small hours, que llegó a situarse en el segundo lugar de las listas de éxitos estadounidenses, mientras en el apartado cinematográfico fue propuesto para el Oscar al mejor actor por su actuación en el filme El hombre del brazo de oro (The man with the golden arm).
El disco Songs for swingin' lovers apareció en 1956, y alcanzó así mismo el número dos en las listas del país, en las que permaneció durante 66 semanas. Al año siguiente, en 1957, obtuvo por fin el divorcio de Ava Gardner, y un año más tarde publicó el elepé Come fly to me, el primero en situarse en primer lugar de las listas, en las cuales se mantuvo durante 71 semanas, cifras que superaría con Only the lonely y sus 120 semanas de permanencia.
En la década de 1960 prolongó su brillante carrera discográfica con títulos como Nice and easy (1961) y Strangers in the night (1962). También protagonizó la película El mensajero del miedo (The manchurian candidate, 1962), que pese a ser considerada por la crítica estadounidense una de las mejores películas de Sinatra, no obtuvo un gran reconocimiento del público.
Cuando contaba cincuenta años de edad se casó con la actriz Mia Farrow, treinta años más joven que él, aunque el matrimonio naufragó pronto. En 1968 se volvería a divorciar, para contraer en 1976 su cuarto matrimonio, en esta ocasión con Barbara Marx, la viuda del actor cómico Zeppo Marx. En el apartado musical, se prodigó en colaboraciones como Sinatra-Basie (1962), con su ídolo de juventud Bing Crosby en 1964, con su propia hija Nancy y con el compositor brasileño António Carlos Jobim en 1967 o con Duke Ellington en 1968.
En la década de 1970 se consolidó como una autentica institución de la música popular, y en 1980 interpretó su último papel dramático en la película El primer pecado mortal (The First Deadly Sin), aunque aún se le pudo ver en algún cameocomo el de la comedia Los locos de Cannonball 2, del 1984. En el año 1990, con motivo de su septuagesimoquinto cumpleaños, celebró una exitosa gira por su país y en 1994 fue galardonado con el Premio Grammy por la totalidad de su carrera artística.
barry white
Nació el 12 de septiembre de 1944 en Galveston, Texas, aunque tanto él como su hermano Darryl pasaron la mayor parte de su infancia en Los Ángeles además de una adolescencia problemática.
Hijo de madre soltera, durante su juventud fue encarcelado por robar ruedas de coches y pasó por correccionales para muchachos "difíciles". De niño cantaba en el coro de una iglesia Baptista, del que rápidamente se convirtió el director.
Considerado por muchos como "el maestro del soul" o "el rey del romance". Con dieciséis años ya formaba parte del grupo de Doo Woop The Upfronts, con el que grabó varios discos. En 1964 produjo Harlem Shuffle, editado originalmente por Bob & Earl.
Abandonó los escenarios y los estudios de grabación para convertirse en ejecutivo del sello Mustang Records donde descubrió a tríos como The Love Unlimited, del que fue manager. Más adelante funda su propia productora: Soul Unlimited Productions.
En 1973 regresa lanzando su primera grabación en solitario: el LP I've Got So Much To Give, que fue el inicio de una carrera que, durante los años de la música Disco, le convirtió en uno de los reyes de las pistas de baile consiguiendo enamorar a miles de parejas desde los años setenta.
Lanzó un buen número de LP's, de los que se extrajeron varios singles que lograron una gran popularidad: canciones como Never Gonna Give You Up, Can't Get Enough Of Your Love Baby o It's Ecstasy When You Lay Down To Me lograron el reconocimiento. Con un estilo basado en temas sexualmente explícitos y y con unos arreglos extraordinariamente cuidados, la voz ronca del músico de Texas, le ha convertido también en uno de los iconos de la música erótica.
A partir de 1977, su carrera perdió empuje, siguió lanzando grabaciones, pero con una repercusión casi nula. En 1987, con la edición del LP The right night & Barry White, reaparece.
De entre todas las voces de la historia de la música él se queda con la de Marvin Gaye. "Era un artista enorme y una persona entrañable. Yo tengo el honor de que me propusiera producir su último disco, pero esto me lo dijo un viernes y el domingo le asesinaba su padre".
Participó como actor en la serie de televisión 'Ally Mcbeal', y también puso su voz en la serie los 'Simpson'.
Barry White falleció el 4 de julio de 2003 en el Hospital Cedars-Sinai de Los Ángeles, donde estaba ingresado desde hacía tiempo. Tenía desde hacía años graves problemas de riñón a causa de su alta presión sanguínea, por lo que estaba a la espera de un trasplante, sufrió en mayo una trombosis que le paralizó la parte derecha del cuerpo.
Discografía
Álbumes de estudio
I've Got So Much To Give — (1973)
Stone Gon' — (1973)
Can't get enough — (1974)
Just Another Way To Say I Love You — (1975)
Let the Music Play — (1976)
Is This Whatcha Want? — (1976)
Barry White Sings For Someone You Love — (1977)
The Man — (1978)
I Love To Sing The Songs I Sing — (1979)
The Message Is Love — (1979)
Sheet Music — (1980)
Barry & Glodean — (1981)
Beware! — (1981)
Change — (1982)
Dedicated — (1983)
The Right Night & Barry White — (1987)
The Man Is Back! — (1989)
Put Me In Your Mix — (1991)
The Icon Is Love — (1994)
Staying Power — (1999)
Hijo de madre soltera, durante su juventud fue encarcelado por robar ruedas de coches y pasó por correccionales para muchachos "difíciles". De niño cantaba en el coro de una iglesia Baptista, del que rápidamente se convirtió el director.
Considerado por muchos como "el maestro del soul" o "el rey del romance". Con dieciséis años ya formaba parte del grupo de Doo Woop The Upfronts, con el que grabó varios discos. En 1964 produjo Harlem Shuffle, editado originalmente por Bob & Earl.
Abandonó los escenarios y los estudios de grabación para convertirse en ejecutivo del sello Mustang Records donde descubrió a tríos como The Love Unlimited, del que fue manager. Más adelante funda su propia productora: Soul Unlimited Productions.
En 1973 regresa lanzando su primera grabación en solitario: el LP I've Got So Much To Give, que fue el inicio de una carrera que, durante los años de la música Disco, le convirtió en uno de los reyes de las pistas de baile consiguiendo enamorar a miles de parejas desde los años setenta.
Lanzó un buen número de LP's, de los que se extrajeron varios singles que lograron una gran popularidad: canciones como Never Gonna Give You Up, Can't Get Enough Of Your Love Baby o It's Ecstasy When You Lay Down To Me lograron el reconocimiento. Con un estilo basado en temas sexualmente explícitos y y con unos arreglos extraordinariamente cuidados, la voz ronca del músico de Texas, le ha convertido también en uno de los iconos de la música erótica.
A partir de 1977, su carrera perdió empuje, siguió lanzando grabaciones, pero con una repercusión casi nula. En 1987, con la edición del LP The right night & Barry White, reaparece.
De entre todas las voces de la historia de la música él se queda con la de Marvin Gaye. "Era un artista enorme y una persona entrañable. Yo tengo el honor de que me propusiera producir su último disco, pero esto me lo dijo un viernes y el domingo le asesinaba su padre".
Participó como actor en la serie de televisión 'Ally Mcbeal', y también puso su voz en la serie los 'Simpson'.
Barry White falleció el 4 de julio de 2003 en el Hospital Cedars-Sinai de Los Ángeles, donde estaba ingresado desde hacía tiempo. Tenía desde hacía años graves problemas de riñón a causa de su alta presión sanguínea, por lo que estaba a la espera de un trasplante, sufrió en mayo una trombosis que le paralizó la parte derecha del cuerpo.
Discografía
Álbumes de estudio
I've Got So Much To Give — (1973)
Stone Gon' — (1973)
Can't get enough — (1974)
Just Another Way To Say I Love You — (1975)
Let the Music Play — (1976)
Is This Whatcha Want? — (1976)
Barry White Sings For Someone You Love — (1977)
The Man — (1978)
I Love To Sing The Songs I Sing — (1979)
The Message Is Love — (1979)
Sheet Music — (1980)
Barry & Glodean — (1981)
Beware! — (1981)
Change — (1982)
Dedicated — (1983)
The Right Night & Barry White — (1987)
The Man Is Back! — (1989)
Put Me In Your Mix — (1991)
The Icon Is Love — (1994)
Staying Power — (1999)
No hay comentarios:
Publicar un comentario